Malerei des 20. Jahrhunderts – eine neue Kunstsprache – Präsentation entsprechend der Moskauer Kunstkultur. Malerei des 20. Jahrhunderts – eine neue Kunstsprache – Präsentation im Moskauer Kunstkomplex Ein Haus ist eine Wohnung für einen Menschen – es ist eine „Maschine zum Leben“

Beschreibung der Präsentation anhand einzelner Folien:

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Zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstand vor den Augen eines staunenden Publikums eine neue Kunst, die die Fantasie der anspruchsvollsten Betrachter und Kritiker zu fesseln vermochte. Die russische Avantgarde ist zu einem einzigartigen Phänomen in der Geschichte der Weltkultur geworden, das heute in den Ausstellungen der größten Museen der Welt einen Ehrenplatz einnimmt. Russische Künstler, die die Traditionen der französischen Malerei des Fauvismus und Kubismus hervorragend beherrschten, fanden ihren eigenen Weg. Meister der russischen Avantgarde: Wassili Wassiljewitsch Kandinsky (1866 – 1944) Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch (1878 – 1935) Pawel Nikolajewitsch Filonow (1883 – 1941)

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Wassily Kandinsky Der zukünftige Künstler wurde 1866 in Moskau in der Familie eines erfolgreichen Geschäftsmanns geboren. Bald nach der Geburt des Künstlers zog seine Familie nach Odessa, wo der Junge heranwuchs und seinen ersten Unterricht in Malerei und Musik erhielt. 1885 zog er nach Moskau und schrieb sich an der Moskauer Universität ein. Gemälde interessierten ihn damals nicht besonders, da er sein Leben der juristischen Arbeit widmen wollte. Doch 10 Jahre später, 1895, beschließt er, diese Richtung aufzugeben und stürzt sich kopfüber in die Kunst. Grund dafür war eine Ausstellung, bei der der Künstler Monets Werk „Heuhaufen“ sah. Zu diesem Zeitpunkt war er übrigens bereits 30 Jahre alt. Nach seiner Ankunft aus dem Ausland begann der Künstler, sich aktiv an sozialen und pädagogischen Aktivitäten zu beteiligen, doch 1921 wurde Kandinsky V.V. beschloss, nicht mehr in seine Heimat zurückzukehren. Grund dafür waren erhebliche Meinungsverschiedenheiten mit den Behörden. Doch trotz der erzwungenen Abreise bewahrte der Künstler bis ans Ende seiner Tage die Liebe zum russischen Volk und zur russischen Kultur, die er auf seinen Leinwänden zum Ausdruck brachte.

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Ende der 20er Jahre des 20. Jahrhunderts zog der Künstler nach Murnau, einer Kleinstadt in der Nähe von München. Hier, in der Stille eines ländlichen Outbacks, schafft er eines seiner besten Werke – „Lake“. Das Gemälde wurde im Geiste des Expressionismus gemalt. Obwohl die Leinwand tatsächlich aus dem Leben entstanden ist, hat sie nichts mit echten Ansichten des Sees zu tun. Der Maler glaubte zu Recht, dass sein Pinsel nicht nur einzelne Gegenstände, Menschen und Pflanzen einfangen sollte, sondern auch deren Duft und Geschmack, Gefühle und Emotionen. Es ist wichtig, dass man es nicht zeigt, sondern dass man es fühlt und versteht. Beim Malen des Bildes wurden tiefblaue, orange und sogar grüne Farben verwendet. Überall, wo das menschliche Auge hinsieht, breitet sich ein Farbenrausch aus. Der See nimmt die gesamte Bildfläche ein, auf der rechten Seite sind mehrere kleine Boote zu sehen. Anscheinend gehörten sie Fischern oder Liebhabern abendlicher Spaziergänge. Der See wurde bei Sonnenuntergang bemalt, da seine Oberfläche von den Sonnenstrahlen befleckt ist. Das Bild ist hell, emotional, bezaubernd.

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Dieses am Vorabend des Ersten Weltkriegs und der Revolution entstandene Gemälde gilt als Variation des Themas der Apokalypse. Laut Kunstkritikern verkörpert diese besondere Komposition die Zerstörung der Welt. Trotz der scheinbaren Mehrfarbigkeit ist der Hauptkontrast deutlich sichtbar – zwischen Schwarz und Weiß. Für Kandinsky symbolisieren diese Farben jeweils Geburt und Tod. Somit verkörpert die Komposition den Kampf zwischen Licht und Dunkelheit. Das über den gesamten Bildgrundriss verteilte Weiß überwältigt die Dunkelheit, drängt sie in die obere linke Ecke und symbolisiert Entwicklung und Transformation. Als ursprüngliches Motiv nannte der Künstler die Sintflut. Nach und nach wurde die ursprüngliche Handlung farblich aufgelöst und in einen inneren, eigenständigen, rein bildnerischen Zustand überführt. In allen Werken Kandinskys sowie in dieser Komposition besteht eine unbestreitbare Verbindung zur Ikone. Als Grundlage für seine Gemälde verwendete er oft Szenen aus dem Alten und Neuen Testament. Dieses Gemälde gilt zusammen mit „Komposition Nr. 7“, das als Abbild der ganzen Welt, des Kosmos im Moment der Katastrophe konzipiert ist, als Höhepunkt von Kandinskys kreativer Entwicklung.

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Komposition 7 Man kann das Bild nur aus der Perspektive von Kandinskys Einstellung zu Form und Farbe betrachten – nur in diesem Fall erhält die Komposition eine große, tiefe Bedeutung. Die dominierenden Farben der Leinwand sind Rot – ein Symbol für Stärke, Zielstrebigkeit und immense Kraft; Blau ist die Farbe des Friedens und Weiß ist die Personifizierung der Ewigkeit, der Existenz im Vorschulalter. Es gibt auch eine gelbe Farbe in dem Werk, die der Autor immer als frivol und schnell zerstreut charakterisiert hat. Kunstkritiker und Forscher sind auf der Grundlage von Tagebucheinträgen und der Untersuchung von Kandinskys Werk als Ganzes zu dem Schluss gekommen, dass Komposition VII in ihrer Handlung und ihrem emotionalen Verständnis mehrere Themen vereint – das Jüngste Gericht, die Sintflut, die Auferstehung von den Toten und den Garten von Eden.

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Das Gemälde „Dominant Curve“ ist eines der markantesten und charakteristischsten im Werk des Künstlers. Es zeigt den Einfluss des Surrealismus. Neben den aus der abstrakten Kunst bekannten geometrischen Formen führt Kandinsky auf dieser Leinwand einige leuchtende biomorphe Objekte und Bilder ein. Der Künstler glaubte, dass jedes Kunstwerk ein Ding für sich sei, das vom Publikum nicht verstanden werden müsse, und experimentierte endlos mit Form und Farbe, um diese Idee zu bestätigen. Die mehrfarbige „dominante Kurve“ in diesem Gemälde besteht hauptsächlich aus roter und grüner Farbe. Links davon befinden sich große gelbe und grüne Kreise, die an der Kreuzung völlig unerwartet so etwas wie einen dunkelroten Farbton ergeben. In der oberen rechten Ecke befinden sich ideal geformte schwarz-weiße Kreise, die an Schallplatten erinnern. In der unteren rechten Ecke befindet sich eine kubische blau-weiße Treppe. Die übrigen Details des Bildes scheinen biologischen Ursprungs zu sein; rosa-weiße Rundung, ähnlich den Krallen von Krustentieren; zwei mehrfarbige Formationen, die einem menschlichen Profil ähneln; schwarze und dunkelgrüne Elemente, die wie Pflanzenstängel und -blätter aussehen. Das Gemälde befindet sich derzeit im Guggenheim Museum in New York.

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Die Gemälde von Kasimir Malewitsch sind Millionen bekannt, aber nur wenige verstehen sie. Einige Gemälde des Künstlers erschrecken und irritieren durch ihre Einfachheit, während andere durch ihre Tiefe und geheimen Bedeutungen erfreuen und faszinieren. Malewitsch schuf für einige wenige, ließ aber niemanden gleichgültig. Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch wurde 1879 in Kiew geboren. Er stammte aus einer Familie ethnischer Polen. Die Familie war groß. Casimir war das älteste von 14 Kindern. Die Familie sprach ausschließlich Polnisch und kommunizierte mit den Nachbarn auf Ukrainisch. 1905 reiste Malewitsch nach Moskau. Er versuchte, die Moskauer Malschule zu besuchen, war aber nicht für den Kurs eingeschrieben. 1906 unternahm er einen zweiten Versuch, in die Schule aufgenommen zu werden, scheiterte abermals und kehrte nach Hause zurück. 1907 zog die ganze Familie nach Moskau. Kasimir begann, Kunstkurse zu besuchen. In den Jahren 1910–1914 begann eine Zeit der Anerkennung von Malewitschs neoprimitivistischem Schaffen. Er nahm an zahlreichen Moskauer Ausstellungen teil (z. B. „Karo-Bube“) und stellte in einer Münchner Galerie aus.

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Das berühmte Gemälde teilte nicht nur das Leben des Künstlers, sondern auch die Kunstgeschichte in zwei Perioden. Einerseits muss man kein großer Künstler sein, um ein schwarzes Quadrat auf einen weißen Hintergrund zu zeichnen. Ja, das kann jeder! Aber hier liegt das Geheimnis: „Schwarzes Quadrat“ ist das berühmteste Gemälde der Welt. Seit seiner Niederschrift sind bereits 100 Jahre vergangen und Streitigkeiten und hitzige Diskussionen nehmen kein Ende. Warum passiert das? Was ist die wahre Bedeutung und der wahre Wert von Malewitschs „Schwarzem Quadrat“?

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1. „Schwarzes Quadrat“ ist ein dunkles Rechteck. Beginnen wir mit der Tatsache, dass „Schwarzes Quadrat“ überhaupt nicht schwarz und überhaupt nicht quadratisch ist: Keine der Seiten des Vierecks ist parallel zu einer seiner anderen Seiten und zu keiner anderen die Seiten des quadratischen Rahmens, der das Bild umrahmt. Und die dunkle Farbe ist das Ergebnis der Mischung verschiedener Farben, darunter kein Schwarz. Es wird angenommen, dass dies nicht die Nachlässigkeit des Autors war, sondern eine prinzipielle Haltung, der Wunsch, eine dynamische, bewegende Form zu schaffen.

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2. „Schwarzes Quadrat“ ist ein gescheitertes Gemälde Für die futuristische Ausstellung „0.10“, die am 19. Dezember 1915 in St. Petersburg eröffnet wurde, musste Malewitsch mehrere Gemälde malen. Die Zeit wurde bereits knapp und der Künstler hatte entweder keine Zeit, das Gemälde für die Ausstellung fertigzustellen, oder er war mit dem Ergebnis nicht zufrieden und verdeckte es vorschnell, indem er ein schwarzes Quadrat malte. In diesem Moment kam einer seiner Freunde ins Atelier und rief, als er das Gemälde sah: „Genial!“ Daraufhin beschloss Malewitsch, die Gelegenheit zu nutzen und erfand eine höhere Bedeutung für sein „Schwarzes Quadrat“. Daher der Effekt von rissiger Farbe auf der Oberfläche. Es gibt keine Mystik, das Bild ist einfach nicht gelungen.

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3. „Schwarzes Quadrat“ ist ein mehrfarbiger Würfel Kasimir Malewitsch hat wiederholt erklärt, dass das Bild von ihm unter dem Einfluss des Unbewussten, eines gewissen „kosmischen Bewusstseins“, geschaffen wurde. Einige argumentieren, dass nur das Quadrat im „Schwarzen Quadrat“ von Menschen mit unterentwickelter Vorstellungskraft gesehen wird. Wenn Sie bei der Betrachtung dieses Bildes über die traditionelle Wahrnehmung, über das Sichtbare hinausgehen, werden Sie verstehen, dass sich vor Ihnen kein schwarzes Quadrat, sondern ein mehrfarbiger Würfel befindet. Die geheime Bedeutung des „Schwarzen Quadrats“ lässt sich dann wie folgt formulieren: Die Welt um uns herum erscheint nur auf den ersten, oberflächlichen Blick flach und schwarz-weiß. Wenn ein Mensch die Welt in ihrer Fülle und in all ihren Farben wahrnimmt, wird sich sein Leben dramatisch verändern. Millionen von Menschen, die ihrer Meinung nach instinktiv von diesem Bild angezogen wurden, spürten unbewusst die Lautstärke und das vielfarbige „Schwarze Quadrat“. Schwarze Farbe absorbiert alle anderen Farben, daher ist es ziemlich schwierig, einen mehrfarbigen Würfel in einem schwarzen Quadrat zu erkennen. Und das Weiße hinter dem Schwarzen, die Wahrheit hinter den Lügen, das Leben hinter dem Tod zu sehen, ist um ein Vielfaches schwieriger. Aber wer das schafft, wird eine großartige philosophische Formel entdecken.

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Gleichzeitig wurden der „Schwarze Kreis“ und das „Schwarze Kreuz“ geschaffen und in derselben Ausstellung ausgestellt, die die drei Hauptelemente des suprematistischen Systems darstellen. Später wurden zwei weitere suprematistische Quadrate geschaffen – rot und weiß.

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Was die Bedeutung des Bildes angeht, wagte Ksana Blank einen Vergleich zwischen dem Suprematismus von Kasimir Malewitsch und dem Werk von Leo Tolstoi. In einer von Tolstois Geschichten wird ein Raum beschrieben, in dem die Hauptfigur von Melancholie überwältigt wird. Das Zimmer sieht so aus. Die Wände des Raumes sind weiß getüncht. Der Raum selbst hatte eine quadratische Form, die die Person stark beeinflusste. Es gab nur ein Fenster, an dem ein roter Vorhang hing. Daher wird angenommen, dass das rote Quadrat Melancholie symbolisiert. Zuvor erklärte Malewitsch die Bedeutung seines ersten „Schwarzen Quadrats“. Es bestand darin, dass das Quadrat für den Autor ein bestimmtes Gefühl war und der weiße Hintergrund wie eine Leere wirkte, die sich hinter diesem Gefühl verbarg. In diesem Zusammenhang kam Ksana Blank zu dem Schluss, dass das Gemälde „Roter Platz“ die Angst vor dem unausweichlichen Tod und die Angst vor der Leere im Leben eines Menschen symbolisiert.

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1916 gründete er die Supremus-Gesellschaft, in der er die Ideen einer Abkehr vom Kubismus und Futurismus zum Suprematismus förderte. Nach der Revolution kam er, wie man so sagt, „in den Fluss“ und begann, intensiv an der Entwicklung der sowjetischen Kunst zu arbeiten. Zu diesem Zeitpunkt lebte der Künstler bereits in Petrograd, arbeitete mit V. Meyerhold und V. Mayakovsky zusammen und unterrichtete an der Volkskunstschule unter der Leitung von M. Chagall. Malewitsch gründete die Gesellschaft UNOVIS (viele von Malewitschs Schülern folgten ihm treu von Petrograd nach Moskau und zurück) und nannte seine Tochter sogar Una. In den 20er Jahren arbeitete er als Direktor verschiedener Museen und Institute in Petrograd, führte wissenschaftliche und pädagogische Arbeiten durch, stellte in Berlin und Warschau aus, eröffnete mehrere Ausstellungen in führenden Museen in Petrograd und Moskau, unterrichtete in Kiew, wo eigens eine Werkstatt eröffnet wurde ihn.

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K. S. Malewitsch. Bäuerin. 1928 – 1932 Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg.

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Kasimir Malewitsch schuf „Die Bäuerin“ in den 1928-1930er Jahren. Er blieb seinen Traditionen treu: voluminöse geometrische Formen in schillernden Farbtönen, unverhältnismäßige Körperteile, minimalistische Hintergründe, Menschen ohne jegliche Individualität. . Der Künstler stellt seine Figur mit einem schwarzen Oval anstelle des Kopfes dar, die Arme hängen schlaff und kraftlos herab, ein weißes Gewand weist darauf hin, dass es sich um eine Frau handelt. Die Figur steht auf kontrastierenden Streifen eines farbigen Feldes. Es gibt keine weiteren Körper im Hintergrund: Auch hier blieb der Autor seinem Stil treu. Das Besondere an „Die Bäuerin“ ist jedoch der Umriss ihres Kleides. Wenn man eine schwarz-weiße Frau mit der allgemeinen Vielfarbigkeit vergleicht, kann man darauf hinweisen, dass ihr Bild düster ist. Das Gemälde symbolisiert die Lebensweise der Bauern – Werktätigen. Ihre Sklavenarbeit, endlose Sorgen und Qualen aus einem schwierigen Leben – das ist es, was solche Gemälde darstellen. Malewitsch entpersonalisiert seine Helden, zeigt ihren Massencharakter, Gleichheit, Bedeutungslosigkeit und Kleinlichkeit des menschlichen Lebens.

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1930 wurde Malewitsch ins Gefängnis geschickt. Ihm wurde Spionage für Deutschland vorgeworfen. Doch Ermittler und Freunde in den Behörden setzten alles daran, dass der Künstler innerhalb von sechs Monaten freigelassen wurde. Nur wenige wissen, dass es neben „Black Square“ auch „Black Circle“ und „Black Triangle“ gibt, und der Meister hat „Black Square“ mehrmals umgeschrieben und erst die letzte, vierte Version hat ihn vollkommen zufrieden gestellt. In den 30er Jahren arbeitete er im Russischen Museum, stellte viel aus, malte aber hauptsächlich Porträts, obwohl er sich für Architektur und Bildhauerei interessierte. 1933 erkrankte er schwer und starb 1935. Er wurde in der Nähe des Dorfes Nemchinovka begraben, wo er lange Zeit lebte und arbeitete.

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Das Schicksal von Pavel Nikolaevich Filonov ist wirklich dramatisch. Während seines Lebens verkaufte er keines seiner Gemälde, da er glaubte, dass alles, was er schuf, nur den Menschen gehören sollte. Zehn Jahre vor seinem Tod malte der Künstler arm und halb verhungert ohne Unterbrechung weiter. Unverstanden, von seinen Zeitgenossen abgelehnt, von einigen Studenten vergessen, nicht ausstellen können, träumte er immer noch davon, seine Bilder dem Staat zu schenken. Nach Beginn der Belagerung Leningrads war Filonow auf dem Dachboden im Dienst und warf Brandbomben vom Dach: Er hatte große Angst, dass die Gemälde im Feuer umkommen würden – das war alles, was er in seinem ganzen Leben geschaffen hatte. Augenzeugen zufolge stand Filonov, in Lumpen gehüllt, stundenlang auf einem windgepeitschten Dachboden und spähte in den Schnee, der durch das quadratische Fenster flog. Er sagte: „Solange ich hier stehe, bleiben das Haus und die Gemälde intakt.“ Aber ich verschwende meine Zeit nicht. Ich habe so viele Ideen im Kopf. Filonov starb gleich zu Beginn der Belagerung an Erschöpfung.

MHC, 11. Klasse

Lektion Nr. 28

Die Architektur

20. Jahrhundert

D.Z.: Kapitel 25, ?? (S.319-320), TV. Aufgaben (S.320-322)

Lektion Nr. 26

Teil 1

LERNZIELE

Fördern Bewusstsein der Studierenden für die Rolle der Architektur des 20. Jahrhunderts in der Weltkultur;
Fähigkeiten entwickeln das Material selbstständig studieren und für die Präsentation vorbereiten; die Fähigkeit zur Analyse architektonischer Werke weiterentwickeln;
Zur Sprache bringen die Kultur der Wahrnehmung von Meisterwerken der Architektur des 20. Jahrhunderts.

KONZEPTE, IDEEN

Konstruktivismus;
Modulator;
S. E. Le Corbusier;
V. E. Tatlin;
„Weltstil“;
Konstruktivismus in der UdSSR;
Denkmal „Turm der Dritten Internationale“;
„organische Architektur“;
F. L. Wright;
O. Niemeyer;
„ideale Stadt“

Universelle Lernaktivitäten

Merkmale charakterisieren  zueinander in Beziehung stehen  Wert und Beitrag bewerten   beschreiben und analysieren     Erforschen Sie das Problem der Neuheit  einen Videobericht drehen
Merkmale charakterisieren Entwicklung der Weltarchitektur des 20. Jahrhunderts. (am Beispiel architektonischer Meisterwerke);
 zueinander in Beziehung stehen ein Architekturwerk mit einer bestimmten historischen Epoche, einem bestimmten Stil oder einer bestimmten nationalen Schule;
 Wert und Beitrag bewerten einzelne Architekten in der Geschichte der Entwicklung der Weltkunst;
 Kommentieren Sie wissenschaftliche Standpunkte und Bewertung der Kreativität einzelner Autoren;
 beschreiben und analysieren Denkmäler der Welt- und Innenarchitektur in Form und Inhalt;
 ein individuelles kreatives Projekt entwickeln eine architektonische Struktur im Stil eines der Architekten des 20. Jahrhunderts;
 eine vergleichende Analyse durchführen die besten Beispiele des architektonischen Konstruktivismus in den Werken von S. E. Le Corbusier und V. E. Tatlin;
 Erforschen Sie den Einfluss kreativer Methoden A. Gaudi über die Architektur von F. L. Wright (im Rahmen eines individuellen kreativen Projekts);
 Erforschen Sie das Problem der Neuheit architektonische Lösungen von O. Niemeyer und Ablehnung klassischer Traditionen;
 einen Videobericht drehen über die modernen Baudenkmäler Ihrer Stadt

NEUES MATERIAL LERNEN

Unterrichtsaufgabe. Welche Bedeutung hat das Werk von Vertretern der Architektur des 20. Jahrhunderts für die Zivilisation und Kultur der Welt?

Unterfragen

Konstruktivismus von S. E. Le Corbusier und V. E. Tatlin. Neue Ideen und Prinzipien der Architektur des 20. Jahrhunderts. S. E. Le Corbusier als Schöpfer des „Weltstils“ in der Architektur des 20. Jahrhunderts. Suchen Sie nach einfachen Formen und Proportionssystemen. Künstlerische Prinzipien von S. E. Le Corbusier (am Beispiel berühmter Gebäude). Entwicklung des Konstruktivismus in der UdSSR. V. E. Tatlin als Begründer des sowjetischen Konstruktivismus und Designs. Künstlerische Ideen von V. E. Tatlin und ihre wahre Verkörperung. Das Modell des Denkmals „Turm der Dritten Internationale“ ist die Hauptschöpfung des Architekten.
„Organische Architektur“ von F. L. Wright. Weltweite Anerkennung der kreativen Methode von F. L. Wright (am Beispiel der Kaufman Villa). Originalität und Neuheit architektonischer Werklösungen.
O. Niemeyer: ein Architekt, der es gewohnt ist, zu überraschen. Einzigartigkeit des Stils und „Poesie der Form“. Der Traum von einer „idealen Stadt“ und seine reale Verkörperung (am Beispiel der Stadt Brasilia). Die Suche nach nationaler Identität moderner Architektur

Die Hauptrichtungen in der Architektur des frühen 20. Jahrhunderts:

Modern
Konstruktivismus
Bio
Postmodernismus
Dekonstruktivismus

Am Anfang XX Jahrhunderte wurden durch klare Designs ersetzt .

In der Architektur der 1920er-1930er Jahre. nahm eine beherrschende Stellung ein Konstruktivismus (Einfachheit, Utilitarismus und Ökonomie) Originalversion der paneuropäischen Bewegung Funktionalismus , wird als „Internationaler Stil“ bezeichnet.

Funktionalismus (in der Sowjetunion - Konstruktivismus ) - eine Richtung, die eine strikte Einhaltung von Gebäuden und Bauwerken erfordert.

KONSTRUKTIVISMUS (construo – bauen) – eine Richtung, die in den zwanziger Jahren des 20. Jahrhunderts entstand.

Konstruktivismus - Sowjetische Avantgarde-Methode (Richtung).

Konstruktivismus – Anwendung geometrischer Prinzipien in allen Lebensbereichen (Architektur, Möbel, Kleidung).

Ziel - Gestaltung des modernen Lebens, Transformation des gesellschaftlichen Lebens.

Ideen und Prinzipien:

- Architektur sollte leicht sein und ein Gefühl des Schwebens vermitteln;

Die Architektur muss die riesigen Lichtströme im Inneren des Gebäudes unterwerfen und lernen, mit Lichteffekten von außen zu spielen;

Dank neuer Materialien und Technologien muss die Architektur lernen, mit integralen Räumen von enormer Größe umzugehen.

In der Architektur des 20. Jahrhunderts. neue technische

Möglichkeiten und künstlerische Kreativität.

Club benannt nach Zuev, Moskau

Verein benannt nach Rusakova

Hauptobjekte – Funktionsstrukturen neuen Typs:

Bahnhöfe, Fabriken, Fabriken, Brücken, öffentliche Gebäude und Wohngebäude.

Gebäude Mosselprom, Moskau

Mit einfachen und klaren Bauformen wollten die Architekten eine behagliche Atmosphäre schaffen.

Für die Ausdruckskraft verwenden wir: Asymmetrie, Gegensatz horizontaler und vertikaler Ebenen, Kombination von Gebäuden mit Landschaft.

In der Architektur entstehen die Formen von Waben, Ähren, Muscheln, Maiskolben usw.

Opernhaus in Sydney. Australien

Prinzipien der neuen Architektur:

Leichtigkeit und Schwebegefühl;
viel Licht im Inneren des Gebäudes;
riesiger Raum.

Fenster ersetzten häufig Wände und Innenräume wurden von Übertreibungen und einer Überfrachtung mit Details befreit.

Stahlrahmen mit vertikalen Strukturen, vollgestopft mit Hochgeschwindigkeitsaufzügen und anderen Geräten, wurden eindeutig geworfen Herausforderung für die Klassiker .

Charakteristische Merkmale des Konstruktivismus - Strenge, Geometrisierung, lakonische Formen und monolithisches Erscheinungsbild.

– Schöpfer der ersten Wolkenkratzer , die zum Symbol der modernen amerikanischen Stadt geworden sind. Er formulierte die Grundsätze für den Bau von Hochhäusern, die Architekten noch heute anwenden.

LOUIS

SULLIVAN

(1856-1924)

Der erste Wolkenkratzer des Chicagoer Architekten Louis Sullivan in St. Louis löste eine echte Revolution in der Architektur aus.

Wolkenkratzer in Chicago. USA

„...Das Haus eines Menschen sollte einem „Heim der Bienen“ ähneln, daher sollten „Bienenstöcke für Menschen“ errichtet werden – einheitliche und standardisierte Strukturen, in denen sich der Mensch als Teil einer riesigen städtischen Biosphäre fühlt.“

Chicago. Wolkenkratzer.

Louis Sullivan formulierte die Prinzipien des Wolkenkratzerbaus: Erste - ein Wolkenkratzer braucht Kellergeschoß, in dem Heizräume, Kraftwerke und andere Geräte untergebracht werden, die das Gebäude mit Energie und Wärme versorgen. Zweite - Der erste Stock sollte Banken und Geschäften zur Verfügung gestellt werden und andere Einrichtungen, die viel Platz, viel Licht, helle Fenster und einen einfachen Zugang von der Straße aus benötigen. Dritte - Der zweite Stock sollte nicht weniger Licht und Platz haben als der erste.

Vierte - Zwischen dem zweiten und dem obersten Stock sollte es sein unzählige Büroflächen , die sich im Layout nicht voneinander unterscheiden. Fünfte - Dachgeschoss , sowie unterirdisch, muss technisch sein . Hier befinden sich Lüftungsanlagen.

Herausragender französischer konstruktivistischer Architekt XX V., Schöpfer des „Weltstils“.

Zum ersten Mal begann ich, in meinen Gebäuden vorgefertigte Stahlbetonmodule zu verwenden

LE CORBUSIER

Le Corbusier. Villa Savoy. 1927-31 Poissy

Er suchte die Grundlage für eine „neue Architektur“ in rein geometrische Formen, Linien im rechten Winkel, in perfekten Kombinationen von Vertikal und Horizontal, in absolut weißer Farbe .

Die berühmte Villa zeichnet sich durch exquisite Formenvollkommenheit und Klarheit der Proportionen aus. Auf verschiedenen Ebenen gelegene Terrassen, Übergangsbrücken, Rampen und Treppen, die den Raum durchdringen, sowie helle Beleuchtung erwecken den Eindruck, mit der Natur zu verschmelzen und die Möglichkeit völliger Privatsphäre für eine Person.

Villa Savoy(1927-1931) Poissy, Frankreich

Erfindet ein System architektonischer Proportionen, abgeleitet von den Proportionen der menschlichen Figur - Modulator

WOHNHAUS IN MARSEILLE (1945-1952)

Ein Haus – eine Wohnung für einen Menschen – ist eine „Wohnmaschine“.

– eigenartig Modell eines idealen Zuhauses für eine Person . Designed für 350 Familien (ungefähr 1.600 Personen) verkörpert es deutlich die Idee des Autors, dass „ein Haus eine Maschine zum Leben ist“.

Das Haus steht auf hohen Säulen und umfasst 337 zweistöckige Wohnungen, Geschäfte, Hotels, Dachgarten, Fitnessstudio, Joggingstrecke, Schwimmbad, Kindergarten , also alles, was ein Mensch für ein angenehmes Leben braucht.

Architektonische Strukturen

Le Corbusier

Kapelle Notre-Dame du Haut,

Ronchamps, Frankreich

Haus

Centrosoyuz

in Moskau.

IN UdSSR Die Entwicklung des Konstruktivismus war nicht nur für die Architektur, sondern für alle Arten von Kunst wichtig. Künstler der 1920er Jahre stellte die Aufgabe, die materielle Umwelt um den Menschen herum zu gestalten. Sie versuchten, mithilfe neuer Technologien einfache, logische, funktional begründete und zweckmäßige Formen zu schaffen

Entwürfe. Originelle Architekturprojekte

Brüder A. A., V. A. und L. A. Vesnin, M. Ya. Ginzburg,

A. V. Shchuseva, I. I. Leonidova, K. S. Melnikova wurden in den größten Städten Russlands durchgeführt.

Wladimir Jewgrafowitsch Tatlin

- Begründer des sowjetischen künstlerischen Konstruktivismus und Designs, Maler, Stenograph.

Turm der III. Internationale. 1919-1920

Die Höhe beträgt 400 m, 1,5-mal mehr als der Eiffelturm.

ORGANICS (organische Architektur)- eine Richtung in der Architektur, die erstmals in den 1890er Jahren von Louis Sullivan auf der Grundlage der Prinzipien der Evolutionsbiologie formuliert wurde .

Parallel Mit dem Konstruktivismus entwickelte sich eine Richtung, konventionell genannt „organische Architektur“.
Das Gebäude besteht aus vielen verschiedenen Blöcken nur als Teil des Gebäudes fertiggestellt .

Organische Architektur impliziert Ablehnung strenger geometrischer Formen .

Bei der Gestaltung jedes Gebäudes Dabei werden die Art der Umgebung und deren Zweck berücksichtigt , alles unterliegt der Harmonie.

Jeder Raum hat seinen eigenen Zweck, der auf den ersten Blick zu erahnen ist.

Die Gründe, die der Entwicklung der organischen Architektur den Anstoß gaben:

das Vorhandensein neuer Baumaterialien, die es Ihnen ermöglichen, die bizarrsten architektonischen Formen zu schaffen;
das Gefühl der Einheit mit der Natur, das ein solches Gebäude vermittelt.

FRANK LLOYD

WRIGHT

„...Architektur sollte in erster Linie dem menschlichen Leben „dienen“ und erst dann ein Symbol für abstrakte Konzepte von „Güte und Schönheit“ sein. Das Gebäude sollte die Landschaft nicht überfordern, sondern auf natürliche Weise aus ihr herauswachsen, mit ihr verschmelzen und eine organische Einheit bilden.“

(1869-1959)

Die Idee der organischen Architektur des amerikanischen Architekten und Kunsttheoretikers Frank Lloyd Wright (1869-1959) hat weltweite Anerkennung und Praxis gefunden

Umsetzung in vielen Ländern. Er wies der Architektur die Rolle eines verbindenden Prinzips zwischen Mensch und Umwelt zu. Seiner Meinung nach sollte es in erster Linie dem menschlichen Leben „dienen“ und erst dann ein Symbol für abstrakte Konzepte von „Güte und Schönheit“ sein. Das Gebäude sollte nicht überfordern

Landschaft, sondern wachsen auf natürliche Weise aus ihr heraus, verschmelzen mit ihr und bilden eine organische Einheit.

Unter dem Einfluss japanischer Architektur entwickelte er sein sogenanntes „Prärie-Stil“- leichte überhängende Gesimse, niedrige offene Terrassen in abgelegenen Gärten in der Nähe natürlicher Stauseen. Er glaubte, dass die Prärien „eine eigene Schönheit“ hätten, und daher bestand die Aufgabe des Architekten darin, „diese natürliche Pracht zu sehen und hervorzuheben“.

Zu seinen Interessen gehörten private Landvillen und riesige Stadtentwicklungen.

Land Kunley-Haus . Flussufer

VILLA E. KAUFMAN „ÜBER DEM WASSERFALL“ (1936-1939)

Mehr als hundert Privathäuser wurden von F.L. geschaffen. Wright brauchte nur zehn Jahre, brachte aber für jedes Projekt eine einzigartige architektonische Lösung.

Die Villa ist zu einem wahren Meisterwerk des Architekten geworden. Die raue Falte aus Schottermauern setzte die Felsen auf natürliche Weise fort und verschmolz mit einem kleinen Wasserfall, mächtigen Bäumen und einem Waldbach. Im Fels verankerte Stahlbetonträger stützten ein komplexes System überhängender Terrassen. Die Treppe in der Mitte des Hauses führte direkt hinunter zum Wasserfall. Die Architektur des Gebäudes „löste“ sich buchstäblich in der Natur auf.

MUSEUM MODERN KUNST Guggenheim (1943-1959) New York

eines der ersten Museen für moderne Kunst weltweit. Heute genießt dieses Museum in Manhattan in New York wohlverdienten Ruhm und ist bei Besuchern beliebt.

„...Wright war der letzte Romantiker und der erste Rationalist in der amerikanischen Architektur“ (A. V. Ikonnikov).

Besucher des Guggenheim Museums beginnen oben und spiralförmig nach unten. Dieses einzigartige Konzept für die Hallenaufteilung wurde vom Architekten vorgeschlagen F. L. Wright.

Oscar Niemeyer und seine Paläste aus Glas und Beton.

Oscar Niemeyer ist ein Klassiker der Architektur, der mit Le Corbusier zusammenarbeitete und baute „Stadt der Zukunft“- der Hauptstadt seines Landes, Brasilia, und Mitautor des Projekts für das UN-Hauptquartier in New York. Er hörte fast bis zu seinem Tod nicht auf zu schaffen.

Oscar Niemeyer starb im Alter von 105 Jahren. Sein Vermächtnis umfasst mehr als 400 Gebäude in 18 Ländern,

(1907-2012)

„Ich fühle mich nicht zu rechten Winkeln und geraden, unveränderlichen und klaren Linien hingezogen, die vom Menschen geschaffen wurden. Ich fühle mich zu Kurven hingezogen, frei und sinnlich. Diese Kurven, die wir in Bergsilhouetten in Form von Meereswellen auf dem Körper sehen können.“ eine geliebte Frau.“

Niemeyers bekanntestes Projekt ist das Projekt der Stadt Brasilia.

Der Masterplan für die neue Hauptstadt Brasiliens (Brasilia) basierte auf dem Schnittpunkt zweier Achsen in Form der Silhouette eines fliegenden Flugzeugs.

Berühmt wurde er durch seine Experimente auf dem Gebiet der Stahlbetonarchitektur.

Sein charakteristischer Stil zeichnet sich durch eine Breite aus die Verwendung krummliniger Formen, viel Licht und Raum.

Ministerium

Auswärtige Angelegenheiten

Brasilien

„Ich glaube, dass Architektur dann erfolgreich ist, wenn sie unmittelbar nach der Fertigstellung der Hauptbauwerke sichtbar ist. Darauf kommt es an und nicht darauf, womit sie später überzogen werden“, sagte er in einem Interview.

Wohngebäude „Kopan“ in Sao Paulo (1951-1965) ist eine Abkürzung für C Ompanhia P ein- A mericana de H Otéis und Tourismus

Es ist ein riesiges, wellenförmiges Gebäude, das einer wehenden Flagge ähnelt und der größte Wohnkomplex Lateinamerikas ist.

Das Haus besteht aus sechs Blöcken aneinander befestigt. Alle Blöcke sind an drei Stellen miteinander verbunden: Dach, Einkaufsgalerie und Erdgeschoss .

Höhe - 140 m, 38 Etagen, 1160 Wohnungen und ca. 5000 Einwohner . Das Rathaus von Sao Paulo hat dem Gebäude aufgrund seiner hohen Bevölkerungsdichte einen eigenen Index (Seriennummer: 01046-925) zugewiesen.

Quadrat 6006 m² .

Regierungspalast in Brasilia, 1960

Die Originalität des Architekturstils von O. Niemeyer ist

außergewöhnliche Plastizität der Formen, ausgedrückt in Glätte

Übergänge vom Innen- zum Außenraum, Einführung in die Komposition malerischer und skulpturaler Werke, organisch

Kombination von Architektur und Gartenkunst.

Sein Stil wird oft als Stil der „eleganten geschwungenen Linien“ bezeichnet.

Museum der Moderne

Kunst in Niteroi, 1996

„Ich fühle mich weder zu einem rechten Winkel noch zu einer geraden, harten,

eine vom Menschen geschaffene starre Linie. Die frei geschwungene und sinnliche Linie zieht mich an. Diese Linie, die mich an die Berge meines Landes, die bizarren Flussbiegungen, hohe Wolken erinnert ...“

O. Nemeyer

Kathedrale in Brasilia, 1960-1970

Sie ragen nur wie eine riesige Krone über den Boden 16 weiße pfeilförmige Säulen , von denen jedes in Form einer Parabelkurve fährt vom kleinen Dach ab. 90-Tonnen-Stützen Sie verjüngen sich zum Boden hin, was dem gesamten Bauwerk ein ungewöhnlich leichtes und anmutiges Aussehen verleiht. Am meisten komplexe Funktionsteile Gebäude unter der Erde versteckt . Zwischen den Stützen befindet sich farbiges Glasgewebe Wenn man es nachts von außen oder tagsüber von innen betrachtet, ist es eine lebendige Mischung aus Blau- und Grüntönen.

Palast des Nationalkongresses in Brasilia, 1960

Das Lebenswerk des Architekten war die Entwicklung eines Generals

Entwicklungsplan „die erste Hauptstadt der modernen Zivilisation“ - die Stadt Brasilia.

Ich habe den Großteil der Verwaltungsaufgaben entworfen

und Wohnbauten verkörperte er drei Jahre lang (1957-1960) den Traum einer idealen, bedarfsgerechten Stadt

eines Menschen und entsprechend seinen Vorstellungen von Schönheit. Buchstäblich aus dem Nichts entstand eine der ungewöhnlichsten Städte der Welt, die es bis heute gibt Status als UNESCO-Weltkulturerbe.

Nationalmuseum von Brasilien, 2006

Der Kontrast von Kuppeln und Pyramiden, pfeilförmigen Säulen und runden Schalen, strengen geometrischen Formen und Offenheit

Plätze und Parks, Raum und Logik in der Straßenführung – all das macht die vom Genie O. Niemeyers geschaffene Stadt einzigartig hell

und ausdrucksstark.

Nationalmuseum und Nationalbibliothek von Brasilia, 2006,

nach Projekten von 1958

Kontrollfragen

1 . Welche Prinzipien der konstruktivistischen Architektur wurden von S. E. Le Corbusier verkörpert?

Was zeichnet seine städtebaulichen Projekte aus? Hat er es geschafft?

„Soziale Mission“ der Architektur, für die Menschen „ein gnädiges und gnädiges Leben“ zu schaffen

ein fröhliches Bild“?

2. Turm von V. E. Tatlin - ein Denkmal III International – immer noch nicht verloren

seine Relevanz und verblüfft mit der Kühnheit von Architektur und Kunst

Entscheidungen. Was sind die wichtigsten Entdeckungen des Autors? Wie hat es sich manifestiert?

die Universalität seiner Ansichten? Wie utopisch denken Sie

Ideen eines großen Träumers? Was ist der Grund für ihr Vergessen und die anschließende

Wiederbelebung der Kunst der Weltarchitektur? Vergleichen Sie Proben

Architektonischer Konstruktivismus in den Werken von S. E. Le Corbusier und V. E. Tatlin.

3. Die nicht realisierten Ideen von V. E. Tatlin wurden später in vielen Fällen verwendet

moderne Bauwerke, zum Beispiel: Regierungsgebäude

Brasilia (Architekt O. Niemeyer), Strukturen des nach ihm benannten Zentrums. J. Pompidou in Paris (Architekt.

R. Rogers, R. Piano), das Gebäude des Guggenheim Museum of Modern Art in New

York (Architekt F.L. Wright), Sydney Opera House (Architekt J. Utzon). Wie viel

Es ist legitim zu behaupten, dass der Turm von V. E. Tatlin zum Vorbild wurde,

das kreative Denken moderner Architekten anregen? Was bist du drin?

Sehen Sie die wahre Verkörperung der Ideen von V. E. Tatlin? Erkläre deine Antwort.

4. Der Architekturkunsthistoriker P. Nuttgens schrieb über die Villa „Above the Waterfall“:

„Wright hat das beste Beispiel einer von Menschenhand geschaffenen Struktur geschaffen, die sich ergänzt

Natur." Auf welche Art und Weise „ergänzte“ es die Natur? Was für eine Verkörperung in ihm

Welches architektonische Erscheinungsbild hat der „Präriestil“ gefunden? Wie in den Werken von F. L. Wright

Ist der ewige Traum eines menschlichen Lebens inmitten unberührter Natur wahr geworden?

Kann man über den Einfluss von A. Gaudi auf die Arbeit von F. L. Wright sprechen?

5. In einem seiner Interviews sagte O. Niemeyer: „Die Hauptsache in der Architektur ist, dass sie es ist.“

war neu, berührte die Seele eines Menschen, war ihm nützlich, so dass ein Mensch es konnte

genießen Sie es." Was ist neu an der Architektur von O. Niemeyer? Ist sie fähig?

die Seele eines Menschen erregen und ihm gleichzeitig nützlich sein?

Kreativwerkstatt

1. Geben Sie eine vergleichende Beschreibung eines Ihnen bekannten Gebäudes

Moderne und Konstruktivismus. Inwieweit erfüllen sie das Wesentliche?

Kriterien der Architektur: Nützlichkeit, Stärke und Schönheit? Wobei

In welchem Gebäude würden Sie persönlich am liebsten wohnen? Warum?

2. S. E. Le Corbusier formulierte fünf Grundprinzipien

Neue Architektur: ein Haus auf Pfählen, um die Verbindung zu stärken

Umweltraum; offener Grundriss, der

ermöglicht es Ihnen, funktionale Prozesse zu ändern und anzupassen;

freie Konstruktion der Fassade für eine breitere Komposition

Entscheidungen; Unter Berücksichtigung der visuellen Wahrnehmung wird vorgeschlagen

horizontale Streifenform der Fenster; Flachdach für

Vergrößerung der nutzbaren Fläche, auf der Gärten angelegt werden können. Welche

Diese Prinzipien spiegelten sich in den Bauten von Le Corbusier wider

die Architektur? Worauf hatte er Einfluss?

Weiterentwicklung der Architektur?

3. Betrachten Sie das Bild der Kapelle in Ranshan von S. E. Le Corbusier.

Welche neuen Technologien wurden bei seinem Bau eingesetzt? Was

die Monumentalität seiner architektonischen Erscheinung? Vergleichen Sie dies

ein Werk mit traditionellen, Ihnen bekannten religiösen Symbolen

Gebäude. Was unterscheidet sie?

Kreativwerkstatt

4. V. E. Tatlins Idee, einen Turm der Dritten Internationale zu schaffen, kann

im Lichte des Hochhausbaus in verschiedenen Bereichen betrachtet werden

historische Epochen (Pyramiden des alten Ägypten und der präkolumbianischen Zeit).

Amerika, mesopotamische Zikkurats, Technik und Kult

Bauten der Antike, des Mittelalters und des Alten Ostens). Welche

Welche Ziele haben sich ihre Schöpfer gesetzt? Wie sie in ihnen verkörpert waren

die Hauptideen Ihrer historischen Ära?

5. Im Guggenheim Museum of Modern Art in New York,

entworfen von F. L. Wright, Architekturhistoriker

D. S. Curl sah „Eine verblüffende Übung in formaler Hinsicht.“

Geometrie", aber kein Gebäude, für das gedacht ist

Kunstwerke betrachten. Andere nahmen ihn wahr

wie eine riesige Skulptur. Was waren Ihrer Meinung nach die Gründe?

für solche Einschätzungen?

6. Die Arbeit von O. Niemeyer wurde stark von S. E. Le beeinflusst

Corbusier gelang es jedoch, seinen eigenen Stil zu entwickeln. Wie

kann die Tatsache erklären, dass einige Kritiker anrufen

Niemeyers architektonische Strukturen mit Skulpturen und er selbst

„Bildhauer-Monumentalist“? Ist das legal?

Standpunkte?

Projektrecherchen oder Präsentationsthemen

1. Entwicklung architektonischer Ideen von S. E. Le Corbusier.

2. Grundprinzipien der Architektur und ihre Umsetzung S. E. Le Corbusier.

3. Merkmale städtischer Ensembles S. E. Le Corbusier.

4. Sh. E. Le Corbusier – der Architekt der Zukunft.

5. „World Style“ von S. E. Le Corbusier.

6. Architektonischer Konstruktivismus einer der Städte Russlands.

7. Kreative Suchen konstruktivistischer Architekten der 1920er-1930er Jahre.

8. Ausdrucksmöglichkeiten der Werke von V. E. Tatlin.

9. Künstlerische Ideen von V. E. Tatlin und ihre reale Verkörperung in Werken moderner Architektur.

10. Die Bedeutung der Werke von V. E. Tatlin für die Entwicklung der Design- und Architekturkunst.

11. Der Turmbau zu Babel und der Turm des III. Internationalen V. E. Tatlin: Utopie oder die Realität des Plans.

12. Ideen der „organischen Architektur“ und ihre figurative Verkörperung in

Werke von F. L. Wright.

13. Architekturphantasien von F. L. Wright.

14. „Präriestil“ und seine Verkörperung in den Gebäuden von F. L. Wright.

15. Was ist die Originalität des architektonischen Entwurfs des Guggenheim Museum of Modern Art?

16. Das Problem der figurativen Ausdruckskraft in den Werken von O. Niemeyer.

17. „Poesie der Form“ von O. Niemeyer.

18. Merkmale religiöser Architektur.

19. Der Traum von einer „idealen Stadt“ und seine Verkörperung in Kreativität (am Beispiel von Brasilia).

20. Schöpfungen von S. E. Le Corbusier und O. Niemeyer: Erfahrung der vergleichenden Analyse.

21. Kreativität von O. Niemeyer: Neuheit architektonischer Lösungen oder Ablehnung klassischer Traditionen.

Heute habe ich herausgefunden...
Es war interessant…
Es war schwer…
Ich habe gelernt…
Ich war in der Lage...
Ich war überrascht...
Ich wollte…

Literatur:

Programme für allgemeinbildende Einrichtungen. Danilova G. I. Weltkünstlerische Kultur. – M.: Bustard, 2011
Danilova, G. I. Kunst / MHC. 11. Klasse Grundniveau: Lehrbuch / G.I. Danilova. M.: Bustard, 2014.
Kalinina E.M., Kunst und Kunstlehrerin, Städtische Bildungseinrichtung „Ermishinskaya Secondary School“, r.p. Ermish, Region Rjasan http://urokimxkizo.ucoz.ru/

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Netzkunst (Netzkunst – vom englischen Netz – Netzwerk, Kunst – Kunst) ist die neueste Kunstart, moderne Kunstpraxis, die sich in Computernetzwerken, insbesondere im Internet, entwickelt. Die russischen Forscher O. Lyalina und A. Shulgin, die auch zu ihrer Entwicklung beitragen, glauben, dass das Wesen der Netzkunst in der Schaffung von Kommunikations- und Kreativräumen im Internet liegt, die jedem die völlige Freiheit der Online-Existenz bieten. Daher ist die Essenz der Netzkunst. nicht Repräsentation, sondern Kommunikation, und ihre einzigartige Kunsteinheit ist eine elektronische Nachricht. Netzkunst (Netzkunst – vom englischen Netz – Netzwerk, Kunst – Kunst) ist die neueste Kunstart, moderne Kunstpraxis, die sich in Computernetzwerken, insbesondere im Internet, entwickelt. Die russischen Forscher O. Lyalina und A. Shulgin, die auch zu ihrer Entwicklung beitragen, glauben, dass das Wesen der Netzkunst in der Schaffung von Kommunikations- und Kreativräumen im Internet liegt, die jedem die völlige Freiheit der Online-Existenz bieten. Daher ist die Essenz der Netzkunst. nicht Repräsentation, sondern Kommunikation, und ihre einzigartige Kunsteinheit ist eine elektronische Nachricht.

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(englische Op-Art – verkürzte Version von optischer Kunst – optische Kunst) – eine künstlerische Bewegung der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die verschiedene visuelle Illusionen verwendet, die auf den Besonderheiten der Wahrnehmung flacher und räumlicher Figuren basieren. Die Bewegung führt die rationalistische Linie des Technizismus (Modernismus) fort. Geht auf den sogenannten „geometrischen“ Abstraktionismus zurück, dessen Vertreter V. Vasarely (von 1930 bis 1997 arbeitete er in Frankreich) war – der Begründer der Op-Art. Die Möglichkeiten der Op-Art haben in Industriegrafiken, Plakaten und Designkunst einige Anwendung gefunden. (englische Op-Art – verkürzte Version von optischer Kunst – optische Kunst) – eine künstlerische Bewegung der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die verschiedene visuelle Illusionen verwendet, die auf den Besonderheiten der Wahrnehmung flacher und räumlicher Figuren basieren. Die Bewegung führt die rationalistische Linie des Technizismus (Modernismus) fort. Geht auf den sogenannten „geometrischen“ Abstraktionismus zurück, dessen Vertreter V. Vasarely (von 1930 bis 1997 arbeitete er in Frankreich) war – der Begründer der Op-Art. Die Möglichkeiten der Op-Art haben in Industriegrafiken, Plakaten und Designkunst einige Anwendung gefunden.

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(Graffiti – in der Archäologie alle auf irgendeiner Oberfläche geritzten Zeichnungen oder Buchstaben, von italienisch graffiare – kratzen) So werden Werke der Subkultur bezeichnet, bei denen es sich vor allem um großformatige Bilder an den Wänden öffentlicher Gebäude, Bauwerke, Fahrzeuge, Hergestellt mit verschiedenen Arten von Spritzpistolen und Aerosol-Sprühdosen. (Graffiti – in der Archäologie alle auf irgendeiner Oberfläche geritzten Zeichnungen oder Buchstaben, von italienisch graffiare – kratzen) So werden Werke der Subkultur bezeichnet, bei denen es sich vor allem um großformatige Bilder an den Wänden öffentlicher Gebäude, Bauwerke, Fahrzeuge, Hergestellt mit verschiedenen Arten von Spritzpistolen und Aerosol-Sprühdosen.

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(aus dem Englischen Land Art - Earthen Art), eine Richtung in der bildenden Kunst des letzten Drittels des 20. Jahrhunderts, die auf der Verwendung einer realen Landschaft als wichtigstes künstlerisches Material und Objekt basiert. Künstler graben Gräben, legen bizarre Steinhaufen an, bemalen Felsen und wählen für ihre Werke normalerweise verlassene Orte aus – unberührte und wilde Landschaften, als ob sie versuchen würden, die Kunst in die Natur zurückzubringen. (aus dem Englischen Land Art - Earthen Art), eine Richtung in der bildenden Kunst des letzten Drittels des 20. Jahrhunderts, die auf der Verwendung einer realen Landschaft als wichtigstes künstlerisches Material und Objekt basiert. Künstler graben Gräben, legen bizarre Steinhaufen an, bemalen Felsen und wählen für ihre Werke normalerweise verlassene Orte aus – unberührte und wilde Landschaften, als ob sie versuchen würden, die Kunst in die Natur zurückzubringen.

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(Minimalkunst – Englisch: Minimal Art) – Künstler. ein Fluss, der aus minimaler Transformation der im kreativen Prozess verwendeten Materialien, Einfachheit und Einheitlichkeit der Formen, Monochromie und Kreativität entsteht. Selbstbeherrschung des Künstlers. (Minimalkunst – Englisch: Minimal Art) – Künstler. ein Fluss, der aus minimaler Transformation der im kreativen Prozess verwendeten Materialien, Einfachheit und Einheitlichkeit der Formen, Monochromie und Kreativität entsteht. Selbstbeherrschung des Künstlers. Der Minimalismus zeichnet sich durch eine Ablehnung von Subjektivität, Repräsentation und Illusionismus aus. Ablehnung des Klassikers Techniken der Kreativität und Tradition. Künstler Materialien: Minimalisten verwenden industrielle und natürliche Materialien mit einfachen geometrischen Formen. Es werden Formen und neutrale Farben (Schwarz, Grau), kleine Mengen, Serien- und Fördermethoden der industriellen Produktion verwendet.

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– Präsentation über die Moskauer Kunstkultur, Fortsetzung des Themas „Kunst des 20. Jahrhunderts“. Dies ist ein Versuch, einen Eindruck von der Vielfalt der Strömungen in der europäischen bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts zu vermitteln.

Malerei des 20. Jahrhunderts – eine neue Kunstsprache

Abbildungen in der Präsentation „Malerei des 20. Jahrhunderts – eine neue Kunstsprache“ wird Ihnen einige der wichtigsten Trends in der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts vorstellen. Keine Epoche hat der künstlerischen Weltkultur so viele Namen und Schöpfungen beschert wie das 20. Jahrhundert. Neben der realistischen Kunst, die sich trotz der Aufrufe avantgardistischer Künstler, alte Kunst zu zerstören, weiterentwickelt, gibt es Trends wie Fauvismus, Expressionismus, Futurismus, Kubismus, abstrakte Kunst, Surrealismus und andere " Ismen". Die neue Sprache der Kunst wurde von vielen nicht verstanden, was oft zu Empörung oder Spott führte. Grundlegende Veränderungen im gesellschaftlichen Leben führten zur Entstehung neuer Kunstformen.

Neue Kunstsprache

Gibt es etwas, das diese zahlreichen Richtungen der Malerei vereint? Das Wichtigste ist meiner Meinung nach der Wunsch, neue Formen zu schaffen, die Verleugnung der „alten Kunst“, die Tendenz, Traditionen zu zerstören. In dieser Hinsicht sind die Manifeste der Dadaisten und Futuristen charakteristisch, in denen sie das Erscheinen von Schöpfungen zu rechtfertigen suchten, die bei Kunstliebhabern oft schockieren und Verwirrung und Empörung hervorrufen:

Manifest des Futurismus

1909, Italien, Filippo Marinetti

Von Italien aus verkünden wir der ganzen Welt unser wütendes, destruktives und aufrührerisches Manifest. Mit diesem Manifest etablieren wir heute den Futurismus, denn wir wollen unser Land von der stinkenden Wunde der Professoren, Archäologen, Redner und Antiquare befreien ...

Museen sind Friedhöfe!. Es gibt zweifellos eine Ähnlichkeit zwischen ihnen in der düsteren Mischung vieler einander unbekannter Körper. Museen sind öffentliche Schlafräume, in denen einige Körper dazu verdammt sind, für immer neben anderen zu ruhen, gehasst oder unbekannt. Museen sind absurde Schlachthöfe von Künstlern und Bildhauern, die sich gegenseitig gnadenlos mit Farb- und Linienschlägen in der Arena der Wände töten!…

Kopf hoch! Mit stolz ausgestreckten Schultern stehen wir oben auf der Welt und fordern erneut die Sterne heraus!

Die Maler des 20. Jahrhunderts haben sich nicht die Darstellung der Wirklichkeit zum Ziel gesetzt, davon sind sie überzeugt

„Der Zweck der Kunst − keine Eindrücke der Realität vermitteln, A ein Bild seines tragischen und chaotischen, menschenfeindlichen Wesens zog sich durch die Persönlichkeit des Künstlers »

Dies ist beispielsweise die Kunst der Expressionisten, deren Werk stark von den politischen Ereignissen in Europa in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts beeinflusst wurde.

Ist das Kunst?

„Dadas Kannibalen-Manifest“

1918, Paris, Francis Picabia

„...Dada riecht nach nichts, er ist nichts, nichts, nichts.

Wie deine Hoffnungen: nichts,

wie dein Paradies: nichts,-

wie deine Idole: nichts,

wie deine politischen Männer: nichts,

wie deine Helden: nichts,

wie deine Künstler: nichts,

wie deine Religionen: nichts“

„Dadaismus ist großartig!!!

„Dada ist Kunst! Dies ist meiner Meinung nach eine dieser Bewegungen, die großen Ruhm erlangten; von der Mehrheit nicht akzeptiert wird und infolgedessen ein stürmisches und kurzes Leben führt.
Der Dadaismus ist ein Denkmal für eine Plastikflasche, das sind Gemälde mit darauf geklebten Gegenständen... Das ist eine philosophische Absurdität, das ist ein Stolperstein, das ist eine Leugnung alles Klassischen und von der Mehrheit akzeptierten. Dada ist alles und nichts. Das ist und das ist nicht.
Jeder hat es, aber nicht jeder akzeptiert es. Wahrscheinlich hat Dada einen Geruch: den Geruch rebellischer Fröhlichkeit, den Geruch einer ewigen Suche nach dem Absurden.“

Ein wunderbarer Film, der im wahrsten Sinne des Wortes von den klugen Leuten der Arzamas Academy erstellt wurde, wird Ihnen helfen, die Kunst des 20. Jahrhunderts zu verstehen, die schwer zu verstehen ist und von vielen oft nicht akzeptiert wird:

Auf der Suche nach neuen Formen in der Kunst leugnen Maler des 20. Jahrhunderts manchmal Inhalte, die für Kenner traditioneller Kunst verständlich wären, was den Betrachter schockiert und schockiert, wie es einige Dadaisten und Surrealisten taten.

Abschnitte: MHC und ISO

Klasse: 11

Unterrichtsart: kombiniert

Unterrichtsformat: Lektion - Wissen verbessern, eine neue problematische Vision bilden.

Ziele:

Bildung einer ästhetischen Sensibilität für Vorstellungen über historische Traditionen und Werte der künstlerischen Kultur in der russischen und ausländischen Malerei an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert.
Entwicklung und Gestaltung des Konzepts des „Dialogs zwischen Betrachter und Künstler“ anhand der Werke von V. Kandinsky.
Bildung der emotionalen Sphäre der Schüler.

Die Hauptrichtungen künstlerischer Strömungen in der Malerei an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert aufzeigen und zusammenfassen;
Ein ganzheitliches, facettenreiches künstlerisches Bild der Epoche voller individueller Merkmale zu schaffen;

Ausrüstung: Computer, Projektor, Demonstrationstafel.

Sichtweite: äh Pygraph an der Tafel, Präsentation - Diashow zum Thema der Lektion.

Diashow: O. Renoir „Swing“, Paul Gauguin „Vision nach der Predigt oder der Kampf Jakobs mit dem Engel“, E. Munch „Der Schrei“, V. Borisov - Musatov „Pond“, A. Matisse „Roter Raum“ , S. Dali „In Elefanten dargestellte Schwäne“, P. Picasso „Les Demoiselles d’Avignon“, V. Kandinsky „Kuh“, „Tabellen der Farbschemata“

Unterrichtsplan:

I. Organisatorischer Moment. Angabe des Themas und der Ziele der Lektion.

II. Hauptteil. Wiederholung, Einordnung, Verallgemeinerung des behandelten Stoffes.

III. Erwerb neuer Erkenntnisse auf der Grundlage der Analyse des behandelten Materials, Kennenlernen der Bewegung „Kubismus“ und „Abstrakte Kunst“.

IV. Zusammenfassung der Lektion, Hausaufgaben.

Während des Unterrichts

Ich möchte die Lektion mit den Worten des Künstlers Henri Matisse beginnen: „Schaffen bedeutet, auszudrücken, was in einem ist.“

ICH. Heute besteht unsere Aufgabe darin, ein spezifisches Porträt einer Epoche in der Geschichte der Malerei zu erstellen, der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert, einer Epoche voller kreativer Suchen und Experimente, die die Vorstellungen von der Malerei und der Rolle des Künstlers darin völlig verändert haben . In dieser Zeit, in der eine neue Avantgarde-Richtung in der Kunst geboren wird, wird sie von vielen leider immer noch nicht vollständig verstanden und ist nicht verdient, was zu Ablehnung führt. Zu Beginn der Unterrichtsstunde legen wir fest, auf welche Fragen wir im Laufe der Unterrichtsstunde Antworten erhalten müssen.

Ich lege diese Fragen auf Papierbögen vor Ihnen aus, damit Sie sie während des Unterrichts immer sehen und Ihre eigenen Antworten bestimmen können.

1. Welche künstlerische Bewegung kann als Beginn der Avantgarde gelten?

2. Mit welcher künstlerischen Bewegung beginnt der Durchbruch durch die visuelle Realität in die Welt einer neuen Realität?

3.Wie verändert sich das Thema des Künstlers und warum?

4. Warum ändert sich der Begriff „darstellen“ in den Begriff „ausdrücken“?

II. Lassen Sie uns zunächst definieren, wie Sie den Begriff „Avantgarde“, „Avantgarde“ verstehen.

Avantgarde, Avantgarde ist eine allgemeine Bezeichnung für Bewegungen in der Welt, die an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert entstanden. Sie zeichnen sich durch Neuheit, Mut und eine experimentelle Richtung in der Kunst aus.

Gehen wir nun durch die Kunstausstellung, in der jedes Werk so ausgewählt ist, dass es einen eindeutigen Meilenstein in Richtung Avantgarde darstellt.

1. Das erste Gemälde des französischen Künstlers O. Renoir. Wir kennen das Werk dieses Künstlers und diese Richtung in der Kunst. Woran können Sie sich erinnern?

Impressionismus. Gemälde „Swing“.

Ah, nun möchte ich, dass Sie diese Arbeit etwas anders bewerten. Stellen Sie sich vor, was sich an der Schreibtechnik des Künstlers ändern würde, wenn ein Künstler auf klassische Weise über ein solches Thema schreiben würde?

Die Kleidung des Mannes und der Frau würde mit Blumen ohne Flecken bemalt, das Gras und die Blätter würden sorgfältiger bemalt. Die Besonderheit der impressionistischen Schrift besteht darin, die reale Welt durch das Spiel von Licht und Schatten darzustellen und Farben in Spektren aufzuspalten.

Dadurch entsteht der Eindruck, dass die Arbeit „hastig“ und ohne detaillierte Ausarbeitung erledigt wird. Darin unterscheidet sich der klassische Schreibstil vom Impressionismus.

Wir können nur hinzufügen, dass die Entscheidung der Impressionisten, so zu malen, wie ich es sehe, und nicht wie üblich, zum Ausgangspunkt der Abkehr vom Realismus und dem Handlungsprinzip in der Malerei wird. Und wenn wir uns jetzt die erste Frage zu Beginn der Lektion ansehen, dann ist die Antwort bereits klar.

Der Beginn der Avantgarde-Bewegung ist der Impressionismus. Eine Bewegung, in der die Natur so dargestellt wird, wie das Auge sie sieht, und die Überlegenheit der Vision des Autors gegenüber der Genauigkeit der Wiedergabe der sichtbaren Welt bereits beobachtet wird. Das ist der erste kleine Schritt in eine neue Richtung, das ist der Anfang.

2. Paul Gauguin „Vision nach der Predigt oder der Kampf Jakobs mit dem Engel.“

Lassen Sie uns über die künstlerische Ausrichtung dieses Gemäldes entscheiden.

Paul Gauguin gilt als postimpressionistischer Künstler.

Postimpressionisten gehen noch weiter. Sie lehnen die Behauptung ab, dass nur das existiert, was das Auge in einem bestimmten Moment sieht. Paul Gauguin arbeitet aktiv daran, die Gesetze zu verstehen, nach denen menschliche Empfindungen entstehen. Mit anderen Worten, die Grenze zwischen Realität und Unwirklichkeit zu finden, zum Beispiel ein Bild eines Menschen und seiner Gefühle. Und das ist die unsichtbare Welt, die unwirkliche Welt. Dies ist auf dem Bild deutlich zu erkennen. Er zeigte die Grenze zwischen der Realität (die bretonischen Gemeindemitglieder) und ihrer Vision (Jakobus und der Engel).

Wenden wir uns unseren Fragen zu. Die Antwort auf die zweite Frage wurde gerade beantwortet. Die künstlerische Bewegung des Postimpressionismus verbindet das Reale und das Fantastische, und zwar schon jetzt zeigt einen Durchbruch in die „Welt der neuen Realität“”.

3. E. Munch „Der Schrei“. Dieses Bild ist uns bereits bekannt. Auch seine Richtung ist uns bekannt.

Expressionismus, was Ausdruck bedeutet.

Wenn Ausdruck, was drückt der Künstler dann genau im Expressionismus aus?

Menschliche Emotionen, in diesem Fall negativ: Angst, Schmerz, Demütigung, Hoffnungslosigkeit.

Sind menschliche Emotionen die reale Welt oder die Welt, die für das menschliche Auge unsichtbar ist? Können uns menschliche Emotionen, ihre Vielfalt und Stärke als eine Art Realität erscheinen? Schließlich basiert unser gesamter Unterricht auf einem Verständnis von Realität und Unwirklichkeit.

In der Realität wahrscheinlich nicht.

Zu diesem Zweck wurden neue Techniken eingesetzt, die auf Formverformung basieren. Diese Technik wurde von E. Munch verwendet, als er die Gefühle einer tödlich verängstigten Person auf die Leinwand übertragen wollte. Was für eine Welt wird der Expressionismus zur Show?

Der Expressionismus ist eine „unsichtbare“ Welt, in der menschliche Emotionen im Vordergrund stehen.

Wie erklären Sie den Begriff „Ausdruck“ im Zusammenhang mit dem Expressionismus?

Wahrscheinlich können menschliche Emotionen nur ausgedrückt, nicht dargestellt werden.

Warum beginnen sie, einem so komplexen Phänomen wie Emotionen Aufmerksamkeit zu schenken?

Wahrscheinlich interessieren sie sich für die innere Welt eines Menschen.

Der Geburtsort des Expressionismus war, wenn Sie sich erinnern, Deutschland zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Das überbordende Aufblühen von Technik und Industrie vor dem Hintergrund des Verfalls kultureller Grundlagen. Die Unterdrückung der Persönlichkeit, der Mensch war noch nie so klein wie damals, das Verlangen der Seele, ihr Hilferuf – das sind die emotionalen Hauptdominanten des Expressionismus.

3. V. Borisov - Musatov „Reservoir“.

Die Symbolismusbewegung, ihre Merkmale: Künstler drängen das Bild der Natur in den Hintergrund, das Wichtigste ist für sie ihre Vorstellung von der Welt ihrer Fantasien, ihrer unsichtbaren Welt. Der Begriff „Symbol“ wird stellvertretend für die neue Realität eingeführt. Die neue Realität ist nur eine Vorstellung, eine Fantasie, daher darf sie sich verändern, sie kann nur an einen realen Gegenstand erinnern. Und das Symbol muss nicht unbedingt einem Objekt aus der realen Welt ähneln. Es kann bedingt ähnlich sein und folglich bedingt dargestellt.

Fazit: die Idee des Kontakts zweier Welten – der sichtbaren und der neuen Realität, wobei die neue Realität ein Symbol der sichtbaren Welt ist.

4. A. Matisse „Rotes Zimmer“.

Das Gemälde des französischen Künstlers Henri Matisse „Das Rote Zimmer“ ist auf den ersten Blick ungewöhnlich. Versuchen wir, seine Funktionen zu verstehen. Ungewöhnliches Farbschema, flaches Bild. In welche Richtung wurde Ihrer Meinung nach geschrieben?

Fauvismus. (wild). Es zeichnet sich durch eine offene Farbe und fehlendes Volumen aus. Die Künstler experimentierten weiterhin mit Farbe, Volumen und der konventionellen Darstellung eines Objekts auf der Bildfläche; sie gaben die illusorische Wiedergabe des dreidimensionalen Raums auf und konzentrierten sich auf die dekorativen Eigenschaften der Malfläche.

Alles Gesagte ist richtig. Es bleibt noch ein wenig hinzuzufügen, dass der Begriff „Fauvismus“ dem Kritiker Louis Vauxcelles zu verdanken ist.

5. P. Picasso „Les Demoiselles d’Avignon“.

Welche Avantgarde-Bewegung vertritt sie?

Erinnern Sie sich an die Worte von P. Cezanne: „Alles in der Natur hat die Form einer Kugel, eines Kegels und eines Zylinders.“ Wir müssen lernen, über diese einfachen Zahlen zu schreiben. Wenn Sie lernen, diese Formen zu beherrschen, werden Sie tun, was Sie wollen“ (MHC, 11. Klasse, Autorin L. Rapatskaya, S. 110). Aber P. Cezanne meinte, dass diese Grundformen als Ordnungsprinzip des Bildes im Auge behalten werden müssen. Allerdings nahmen Picasso und seine Freunde den Rat wörtlich. Das Erscheinen des Namens dieser Bewegung wird mit dem Kunstkritiker Louis Vaucelle in Verbindung gebracht, der Braques neue Gemälde „kubische Kuriositäten“ nannte.

Daher haben wir natürlich alle verstanden, von welcher Strömung wir jetzt sprechen.

Was lässt sich über den Kubismus und seine Schreibmerkmale sagen?

Es basiert auf Experimenten zur Konstruktion dreidimensionaler Objekte auf einer Ebene. Konstruktion einer neuen künstlerischen Form als Ergebnis der geometrischen Analyse des Themas und des Raums. Fazit Schüler und Lehrer: Experimente mit Form.

6. S. Dali „Schwäne in Elefanten dargestellt.“ Lassen Sie uns über dieses Gemälde sprechen, basierend auf dem, was wir über den Surrealismus wissen. Das Gemälde ist aufgrund seiner Schreibtechnik klar. Der Autor ist Salvador Dali, die Bewegung ist der Surrealismus.

Surrealismus. Superrealismus, bei dem die Inspirationsquelle im menschlichen Unterbewusstsein liegt, basierend auf der Theorie von S. Freud. Ein prominenter Vertreter ist S. Dali. Irrationale Bedeutung. Jede Natur (Schwäne, Elefanten, Bäume) auf dem Bild ist völlig real. Aber ihr gemeinsames Leben auf der Leinwand ist völliger Absurdität.

Wo sind wir hergekommen? In die dargestellte Illusionswelt, in das Universum des Künstlers, das er uns zeigte.

III. Lehrer: Anhand mehrerer Kunstwerke haben wir die Logik der Entwicklung der Avantgarde vom Impressionismus bis zum Surrealismus nachgezeichnet. Die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert war eine Zeit außergewöhnlicher Entdeckungen auf dem Gebiet der Kunst, eine Zeit herausragender Experimente, eine Zeit neuen Verständnisses des Künstlers als Individuum in der Malerei. Besonders hervorheben möchte ich, dass diese Entwicklung nicht linear verlief. Jeder Künstler wählte, was für ihn akzeptabler war. Schließlich werden Künstler nicht mehr auf Leinwand dargestellt, Sie brachten ihre Ideen zum Ausdruck, Gedanken, Fantasien, dein Universum. Die Wahl der Richtung hing ganz von der Idee ab, die ihm vorschwebte. Als P. Picasso gefragt wurde, in welche Richtung er das nächste Bild malen würde, antwortete er ungefähr: „In dasjenige, das meine Idee besser zum Ausdruck bringt.“ Das Gemälde hörte auf abzubilden, das Gemälde begann, die Idee des Künstlers auszudrücken. Der Künstler wird nach und nach zum Schöpfer und die Entstehung eines Bildes ist ein Schöpfungsakt. Die sichtbare Welt, die zuvor von Malern vergangener Jahrhunderte dargestellt wurde, war nicht mehr inspirierend. Künstler begannen, sich von der „anderen“ Welt inspirieren zu lassen, die wir nicht sehen, die aber immer ganzheitlich neben uns lebt. Die Welt unserer Gefühle, Erfahrungen, Fantasien. Wenn man darüber nachdenkt, wie sehr sich die Bilderwelt erweitert, die ein Maler auf die Leinwand übertragen kann. Schließlich ist das, was ein Künstler schafft, nur durch seine persönliche Vorstellungskraft begrenzt. Daher ändert sich die Rolle des Künstlers, er ist nicht länger ein Abschreiber der Welt, „die der allmächtige Gott geschaffen hat“, er ist der Schöpfer selbst – der Schöpfer seiner Universen. Malewitsch sagte: „Ich bin der Anfang von allem, denn in meinem Bewusstsein entstehen Welten.“ Die Welt, die Gott geschaffen hat, ist für sie nicht interessant, außerdem fühlen sie sich selbst als Götter – Schöpfer. Und wenn es sich um Welten handelt, die von den Schöpfern selbst – den Künstlern – geschaffen wurden, dann werden die Gesetze des Universums nur diejenigen sein, die der Künstler selbst erfunden hat. Aber hier treten vor allem viele Schwierigkeiten auf, die Idee der Welt zu verstehen, die der Künstler geschaffen hat. Dies stößt den Betrachter vor allem von Avantgarde-Künstlern ab, die es gewohnt sind, in jedem Bild eine bestimmte literarische Handlung zu sehen. Eine Idee zu durchdringen und ihren Ausdruck in einem Gemälde zu verstehen, ist eine schwierige, aber interessante Aufgabe. Ich möchte eine Aussage zitieren: „Das Bild sollte komplex sein. Wenn man sie ansieht, wird man selbst komplexer. Wenn man eine Leiter hinaufsteigt, ist es nicht die Leiter, die einen hochhebt, sondern die Anstrengung, die man aufbringt.“ Natürlich müssen Sie emotionale und intellektuelle Anstrengungen unternehmen, um das Bild klar zu machen. Aber auch hier besteht großes Interesse!

Aber denken wir weiter. Werden jene Bilder in den Gemälden des Künstlers, zum Beispiel Salvador Dali, die er uns zeigt, Realität sein? Wie konnte er sie selbst erschaffen haben? Hat er das Bild gemalt und dem Betrachter seine unsichtbare Fantasiewelt vermittelt? Denn das Bild, das der Künstler zunächst in der Welt seiner Fantasien schafft, sieht er selbst, wie durch die Pupille nach innen. Und was sehen wir auf seinem gemalten Bild? Realität oder ihre Kopie?

Eine Kopie, genau, eine Kopie!

Dies werden nur Kopien sein, wenn auch Fantasien ihrer eigenen Welten, aber dennoch Kopien. Aber wenn der Künstler ein Schöpfer ist, wie sich Avantgarde-Künstler verstehen, und die Welt, die er erschafft, nur real und nicht eine Kopie sein sollte. Doch was kann ein Künstler selbst wirklich schaffen? Versuchen wir es anhand eines Beispiels herauszufinden.

Gemälde von M. Saryan „Stillleben“.

Was wird hier gezeigt?

Trauben, Bananen, Birnen.

Wenn es sich um Trauben, Bananen oder Birnen handelt, probieren wir sie.

Kinder kommen zu dem Schluss, dass dies nicht möglich ist, weil... Dies ist nur ein Bild von Früchten.

Das bedeutet, dass wir nur ein Bild bzw. eine Kopie realer Objekte sehen. Dies passt jedoch nicht zu den Vorstellungen avantgardistischer Künstler über ihre Rolle als Schöpfer.

Wenn das Bild eine Kopie ist, was ist dann hier echt? Schau, was ich in meinen Händen halte? (gerahmte Reproduktion). Kinder müssen selbst zu dem Schluss kommen, dass:

Wirklich ist, was ich in meinen Händen halte, eine Leinwand, und darauf sind Farben..., d.h. das Bild selbst, das gehalten werden kann, kann als reales Objekt erspürt werden. Die wahre Realität liegt nicht in der Darstellung der Früchte im Bild, sondern im Bild selbst.

Was ist auf dem Bild noch echt? Was sehen wir außer der Leinwand noch?

Kinder müssen zu einem Schluss kommen

Farben, die derzeit Früchte darstellen.

Es entsteht eine neue Logik des Avantgardismus: „Wenn nur die Farben in einem Gemälde real sind, dann ist es notwendig, das Leben dieser Farben auf der Leinwand darzustellen!“

Was ist also die Schlussfolgerung?

Das Bild in der Malerei begann man als materielles Ding in einer realen Umgebung zu konzeptualisieren. Nur Farben sind materiell, daher ist es nicht so wichtig, was auf einem materiellen Gegenstand (Gemälde) dargestellt wird (nur Farben sind wichtig), daher weigern sich Künstler, etwas anderes als Farben auf Leinwand darzustellen. Wie können wir die Idee des Künstlers verstehen? Schließlich kommt immer die Idee und dann alles andere... Und wieder wird ein wichtiges Verständnis zum Ausdruck gebracht – ein Dialog zwischen Betrachter und Künstler. Erinnern wir uns an die Worte: Wenn du die Treppe hinaufsteigst, ist es nicht die Treppe, die dich hinaufhebt, sondern die Anstrengung, die du unternimmst.“ Schließlich ist die Leiter unser intellektuelles Niveau, das nicht ohne Anstrengung ausgebaut werden kann. Denk darüber nach. Die Werke der Avantgarde sind nicht leicht zu verstehen, aber genau das ist es, was uns an ihnen reizt.

Das Gemälde stellt keine Realität mehr dar, es ist selbst zu dieser Realität geworden. Deshalb sehen wir den Rahmen, die Leinwand, die Farben. „Sie sehen, was Sie sehen“ – Das Bild ist wie die Realität.

Schauen wir uns nun die Definition des Abstraktionismus auf dem Bildschirm an:

Der Abstraktionismus (lateinisch abstractio – Entfernung, Ablenkung) ist eine Richtung der nichtfigurativen Kunst, die die Darstellung realitätsnaher Formen in Malerei und Skulptur aufgegeben hat. Eines der Ziele der abstrakten Kunst besteht darin, eine „Harmonisierung“ zu erreichen, indem bestimmte Farbkombinationen und geometrische Formen geschaffen werden, um beim Betrachter verschiedene Assoziationen hervorzurufen, obwohl einige Gemälde wie ein einfacher Punkt in der Mitte der Leinwand aussehen. Gründer: Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Natalja Gontscharowa, Michail Larionow.

Auf dem Bildschirm ist ein Gemälde von V. Kandinsky „Kuh“ zu sehen.

Praktische Arbeit „Dialog zwischen Betrachter und Künstler“. Tabelle 1 enthält ein symbolisches und psychologisches Wörterbuch, das auf dem Werk „Über spirituelle Kunst“ von V. Kandinsky basiert

(Das Bild sorgt in seiner Unverständlichkeit für Verwirrung und Überraschung).

Jetzt müssen wir uns selbst mit den Fragen „worüber?“ und „wie?“ auseinandersetzen.

Doch zunächst ein wenig zur Biografie des Künstlers.

Wassili Wassiljewitsch Kandinsky (4. Dezember (16), 1866, Moskau – 13. Dezember 1944, Frankreich) – ein herausragender russischer Maler, Grafiker und Theoretiker der bildenden Künste, einer der Begründer der abstrakten Kunst. Er war einer der Gründer der Gruppe Blauer Reiter und Bauhaus-Lehrer.

Er wurde in Moskau geboren und erhielt seine wichtigste musikalische und künstlerische Ausbildung in Odessa, als die Familie 1871 dorthin zog. Die Eltern wollten, dass ihr Sohn Anwalt wird; Wassili Wassiljewitsch schloss sein Studium an der juristischen Fakultät der Moskauer Staatlichen Universität mit Bravour ab. Mit 30 beschloss er, Künstler zu werden; Dies geschah unter dem Einfluss der Impressionistenausstellung in Moskau im Jahr 1895 und des Gemäldes „Heuhaufen“ von Claude Monet. 1896 zog er nach München, wo er die deutschen Expressionisten kennenlernte. Nach Ausbruch des Ersten Weltkriegs kehrte er nach Moskau zurück, reiste jedoch 1921 erneut nach Deutschland, da er mit der Haltung Sowjetrußlands gegenüber der Kunst nicht einverstanden war. In den letzten Jahren lebte er in Frankreich, in einem Vorort von Paris.

Eine der wichtigen Fragen, die den Künstler beschäftigten: „Wodurch soll das Objekt ersetzt werden?“ Die objektive Welt ist in den Werken des Künstlers teilweise noch erhalten. Es gibt auch immer eine gewisse Querschnittshandlung, einen kleinen Subtext, der gefunden werden muss. Aber das Wichtigste in den Werken des Künstlers sind seine Grundelemente, die, wie der Künstler es ausdrückt, „Schwingungen der Seele“ hervorrufen. Dies ist: eine Synthese von Farbe, Farbe und Formen, die nach den Gesetzen der Komposition aufgebaut sind, wobei er die Objektivität (eine Person, eine Wolke, einen Baum) als den wahren Geschmack der Komposition bezeichnete.

Versuchen wir, unsere Schlüsseltipps zunächst auf das Gemälde anzuwenden, wo das visuelle Element „Kuh“ noch erhalten bleibt. Praktische Arbeit „Dialog zwischen Betrachter und Künstler“ „Die Kuh wird gemeinsam betrachtet.“

Die Ergebnisse gibt es am Ende.

Fazit: Wir müssen unsere Arbeit zusammenfassen und die Unterrichtsfrage beantworten: „Welche kreativen Suchen charakterisieren die Malerei an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert?“ Wo begannen diese kreativen Suchen?

Die Avantgarde-Bewegung in der Kunst beginnt mit dem Impressionismus.

Postimpressionismus, Symbolismus – eine Bewegung zum Beginn des künstlerischen Verständnisses der unsichtbaren Welt.

Künstler beginnen sich für die Welt der menschlichen Gefühle und Fantasien zu interessieren; sie erschaffen und drücken auf der Leinwand ihre eigenen Welten der neuen Realität aus. Es erscheinen abstrakte Gemälde. Als markantes Beispiel abstrakter Malerei gilt das Gemälde von V. Kandinsky.

Praktische Arbeit mit dem Werk „Kuh“ von V. Kandinsky

Am Anfang wurde gesagt, dass alle Theorien Ihrer Vision akzeptiert werden. Seien Sie nicht schüchtern und haben Sie keine Angst zu sagen, was falsch ist. Die Gemälde von V. Kandinsky haben so viele Interpretationen wie es Betrachter gibt. Deshalb sollten wir es unbedingt auch ausprobieren.

“Kuh".

- Weiß - Stille, Stille, Anfang. Aber hier ist es nicht reines Weiß, sondern Weiß und Rosa. Farbe wird als Beginn einer neuen Kraft, Energie (Verbindung mit Rot) charakterisiert.
Es gibt aber auch rote und orangefarbene Flecken, was die erste Argumentation noch weiter unterstreicht.
Gelb - orange Farbe - irdischer, menschlicher, aktiver, gesunder Mensch (Mädchen).
Oben ist dunkelblau. Verursacht viele Kontroversen bei der Interpretation. Sie kommen zu dem Schluss, dass es sich bei den menschlichen Emotionen um Traurigkeit handelt („Das Mädchen ist traurig. Der Streifen ist gelb-orange, was bedeutet, dass die Traurigkeit bald vergehen wird). Es gibt viel Traurigkeit und Melancholie im Leben.“
Grün – Frieden, mit dem Zusatz von Gelb – Traurigkeit wird durch die Freude der Jugend, die Energie des zukünftigen Lebens ersetzt
Die weiße Farbe der Kleidung ist ein Symbol für den Anfang, eher für ein neues Leben.
Schwarze Farbe ist der Tod, nach dem das Leben kommt (Mädchen in Weiß).

In der Ferne sind weiße Wände von Gebäuden zu sehen, die wie Tempel (kleine Kuppeln) oder Klöster aussehen. Die Kombination von Schwarz, Blau und Weiß ist wie die Unterwerfung unter ein einziges Gesetz: Sterben und Wiedergeburt. Weiße Farbe ist ein Symbol für Reinheit und Unendlichkeit.

Diese Bilder scheinen aus der Kuh herauszuwachsen. Die Kuh ist die Quelle des Gesetzes des Lebens und der Wiedergeburt.

Am Ende der Arbeit lese ich zum Vergleich die Interpretation des Gemäldes aus der Zeitschrift „Art“ Nr. 1, 2010 vor. Die Jungs waren mit ihrer Arbeit zufrieden.

Musik zum Bild. Weiße Farbe – es sind noch keine Töne zu hören, aber das Orchester ist bereit... Die Tuba begann leise zu spielen, mit zunehmendem Trommelrhythmus. Cello und Kontrabass kommen hinzu. Die Flöte spielt langsam und traurig, gefolgt von der Geige. Eine kurze Pause, wie ein tiefer Atemzug. Die Melodie wird mit leichten Veränderungen wiederholt, denn „man kann nicht zweimal in den Fluss steigen“...

„DIE SPRACHE DER FARBE“ V. Kandinsky

Als zentraler Grundsatz von Kandinskys Konzept kann die Aussage über zwei Faktoren angesehen werden, die die psychologische Wirkung von Farbe bestimmen: „Wärme-Kälte“ und „Hell-Dunkel“. Dadurch entstehen mehrere mögliche „Klänge“ von Farben.
1. Einstellung - Gelb / Blau. Gelb „bewegt“ sich auf den Betrachter zu und Blau – von ihm weg. Gelb, Rot-Orange – Vorstellungen von Freude, Feier, Reichtum. Wenn Sie Blau zu Gelb hinzufügen (es kühler machen, da Blau eine kalte Farbe ist), wird die Farbe grünlich. Wurde geboren schmerzhaftes Gefühl erhöhter Empfindlichkeit(wie eine gereizte Person, die gestört wird). Intensive gelbe Farbe stört den Menschen, sticht und beeinflusst die Seele. Wenn Sie Gelb abkühlen, beeinflusst es Sie bis zu einem Anfall hellen Wahnsinns. Der Künstler vergleicht diese Farbe mit der wahnsinnigen Farbextravaganz des letzten Herbstes. Gelb ist eine erdige Farbe, sie hat keine Tiefe.

2. Blau. „Himmlische Farbe“ - Ruf ins Unendliche. Bewegung von der Person zur Mitte. Tiefblau - Frieden, gesenkt bis schwarz - Traurigkeit. Hellblau – Gleichgültigkeit, Gleichgültigkeit.

Grün – gelbe und blaue Farben werden darin gelähmt – Frieden: weder Freude noch Traurigkeit, passiv. Wenn zu Grün hinzugefügt Gelb, Grün wird jünger , Mehr Spaß. Und im Gegenteil, zusammen mit Blau - Ernsthaftigkeit, Nachdenklichkeit. Wenn Grün aufgehellt (Hinzufügen von Weiß) oder abgedunkelt (Schwarz) wird, „behält es seinen elementaren Charakter der Gleichgültigkeit und Ruhe“ (S. 48). Weiß verstärkt den Aspekt „Gleichgültigkeit“ und Schwarz – „Frieden“.

Weiß Für Kandinsky ist es ein Symbol einer Welt, in der alle Farben, alle materiellen Eigenschaften und Substanzen verschwunden sind. Diese Welt steht so hoch über dem Menschen, dass kein einziger Ton von dort kommt. Weiß ist eine große Stille, eine kalte, endlose Wand, eine musikalische Pause, eine vorübergehende, aber nicht endgültige Vollendung. Diese Stille ist nicht tot, sondern voller Möglichkeiten und kann als das „Nichts“ verstanden werden, das dem Anfang und der Geburt vorausgeht.

Schwarz- „Nichts“ ohne Möglichkeiten, totes Nichts, ewige Stille ohne Zukunft, völliges Innehalten und Entwickeln. Darauf folgt die Geburt einer neuen Welt. Schwarz ist das Ende, ein erloschenes Feuer, etwas Regloses, wie eine Leiche, die Stille des Körpers nach dem Tod, die stillste Farbe.

Weiße Gewänder drücken pure Freude und makellose Reinheit aus, während schwarze Gewänder die größte und tiefste Traurigkeit und den Tod ausdrücken. Weiß und Schwarz finden (wie Gelb und Blau) ein Gleichgewicht zueinander in grau. Es ist auch eine stille und bewegungslose Farbe. Kandinsky nennt Grau „ untröstliche Unbeweglichkeit" Besonders betrifft es dunkelgrau, der noch untröstlicher und erstickender wirkt.

Rot. Lebhafte, vitale, unruhige Farbe. Drückt männliche Reife, Stärke, Energie, Entschlossenheit, Triumph und Freude aus (besonders hellrot)

Zinnober ist eine gleichmäßig flammende Leidenschaft, eine selbstbewusste Stärke, die in sich selbst „brennt“. Eine Farbe, die von den Menschen besonders geliebt wird. Die Vertiefung der Rotfärbung führt zu einer Abnahme ihrer Aktivität. Aber es bleibt ein inneres Leuchten, eine Vorahnung zukünftiger Aktivitäten.

Violett. Ein schmerzhafter Klang, etwas Erloschenes und Trauriges, der mit dem Klang von Fagott und Pfeife in Verbindung gebracht wird

Orange - die Ernsthaftigkeit von Rot.

Und V. Kandinsky verglich Farbe mit dem Klang von Musikinstrumenten. Gelb ist der Klang einer Trompete, Hellblau ist eine Flöte, Dunkelblau ist ein Cello, Tiefblau ist eine Orgel, Grün sind die Mitteltöne einer Violine; rot – Fanfare; Violett – Fagott und Pfeife;