Живопись XX века – новый язык искусства-презентация по мхк. Живопись XX века – новый язык искусства-презентация по мхк Дом – жилище для человека – это «машина для жилья»

Описание презентации по отдельным слайдам:

1 слайд

Описание слайда:

2 слайд

Описание слайда:

В начале 20 века на глазах у изумлённой публики рождалось новое искусство, способное поразить воображение самых искушённых зрителей и критиков. Уникальным явлением в истории мировой культуры стал русский авангард, занимающий сегодня почётное место в экспозициях крупнейших музеев мира. Русские художники, блестяще усвоившие традиции французской живописи фовизма и кубизма, нашли свой собственный путь. Мастера русского авангарда: Василий Васильевич Кандинский (1866 – 1944) Казимир Северинович Малевич (1878 – 1935) Павел Николаевич Филонов (1883 – 1941)

3 слайд

Описание слайда:

Василий Кандинский Будущий художник родился в Москве в 1866 году в семье успешного коммерсанта. Вскоре после рождения художника его семья переехала в Одессу, где мальчик стал подрастать и получил свои первые уроки живописи и музыки. В 1885 году переехал в Москву и поступил в Московский университет. Картины в то время его не сильно занимали, поскольку он хотел посвятить свою жизнь юридическому делу. Однако спустя 10 лет, в 1895, он решает бросить это направление и с головой погружается в искусство. Это было связано с выставкой, на которой худоджник увидел работу Моне "Стог сена". К слову, ему на тот момент было уже 30. После приезда из-за границы, художник стал активно участвовать в общественной и образовательной деятельности, однако в 1921 году Кандинский В.В. принял решение больше не возвращаться на Родину. Это было вызвано существенными разногласиями с властями. Однако, даже несмотря на вынужденный отъезд, художник до конца своих дней хранил в сердце любовь к русскому народу и культуре, которую выражал на своих полотнах.

4 слайд

Описание слайда:

5 слайд

Описание слайда:

В конце 20-х годов XX века художник перебирается в Мурнау – небольшой городок близ Мюнхена. Здесь в тиши сельского захолустья он создает одну из своих лучших работ – “Озеро”. Картина написана в духе экспрессионизма. Несмотря на то, что полотно фактически создавалось с натуры, ничего общего с настоящими видами озера оно не имеет. Живописец справедливо полагал, что его кисть должна запечатлевать не просто отдельные предметы, людей, растения, а их аромат и привкус, чувства и эмоции. Важно не показать, а заставить почувствовать и понять. При написании картины были использованы глубокие синие, оранжевые и даже зеленые цвета. Буйство красок простирается всюду, куда хватает человеческого взора. Озеро занимает все полотно картины, в правой его части виднеется несколько небольших суденышек. По всей видимости, они принадлежать рыбакам, либо любителям вечерних прогулок. Озеро писалось на закате, потому его гладь обагряется солнечными лучами. картина светлая, эмоциональная, завораживающая.

6 слайд

Описание слайда:

7 слайд

Описание слайда:

Написанная в канун 1 Мировой войны и революции, эта картина считается вариацией на тему Апокалипсиса. По мнению искусствоведов, конкретно эта композиция олицетворяет разрушение мира. Несмотря на кажущееся многоцветие, ясно виден основной контраст – между черным и белым. Для Кандинского эти цвета символизируют рождение и смерть, соответственно. Таким образом, на композиции воплощена борьба света и тьмы. Белый, растекшийся по всему плану картины, одерживает верх над мраком, оттесняя его в левый верхний угол, символизирует развитие и преображение. Первоначальным мотивом художник называл Потоп. Постепенно первоначальный сюжет был растворен в красках и перешел ко внутреннему, самостоятельному, чисто живописному состоянию. Во всем творчестве Кандинского, равно как и в этой композиции, несомненна связь с иконой. В качестве основ для своих полотен он нередко использовал сюжеты из Ветхого и Нового Заветов. Эту картину, наравне с «Композицией № 7», замысленную как изображение целого мира, космоса в момент катастрофы считают вершиной творческой эволюции Кандинского.

8 слайд

Описание слайда:

9 слайд

Описание слайда:

Композиция 7 Разглядывать картину можно только с позиции отношения Кандинского к форме и цвету – только в этом случае композиция приобретает огромный глубочайший смысл. Доминирующими цветами холста является красный – символ силы, целеустремлённой необъятной мощи; синий – цвет покоя, и белый – олицетворение вечности, доначального бытия. Также в работе присутствует жёлтый цвет, который автор всегда характеризовал как легкомысленный и стремительно разбрасывающийся. Искусствоведы и исследователи на основе дневниковых записей и изучения творчества Кандинского в целом пришли к выводу, что Композиция VII объединяет в своём сюжетно-эмоциональном понимании сразу несколько тем – Страшный суд, Всемирный потоп, Воскрешение из мёртвых и Райский сад.

10 слайд

Описание слайда:

11 слайд

Описание слайда:

Картина "Доминирующая кривая" – одна из самых ярких и характерных в творчестве художника. В ней прослеживается влияние сюрреализма. Наряду с геометрическими формами, привычными для абстрактного искусства, на этом полотне Кандинский вводит некие яркие биоморфные предметы и образы. Художник считал, что каждое произведение искусства – это вещь в себе, не требующая понимания зрителей, и как бы в подтверждение этой мысли бесконечно экспериментировал с формой и цветом. Разноцветная "доминирующая кривая" на данной картине выполнена в основном красной и зеленой краской. Слева от нее – крупные желтый и зеленый круги, абсолютно неожиданно дающие на соединении нечто вроде темно-малинового оттенка. В правом верхнем углу – идеальной формы черно-белые круги, напоминающие грампластинки. В правом нижнем углу – кубических форм сине-белая лестница. Остальные детали картины как будто бы имеют биологическое происхождение; розовые и белые округлости, похожие на клешни ракообразных; два разноцветных образования, напоминающих человеческий профиль; черные и темно-зеленые элементы, по виду – стебли и листья растений. На данный момент картина находится в музее Гуггенхейма в Нью-Йорке.

12 слайд

Описание слайда:

13 слайд

Описание слайда:

Полотна Казимира Малевича известны миллионам, но понятны единицам. Одних картины художника пугают и раздражают простотой, других восхищают и завораживают глубиной и тайными смыслами. Малевич творил для горстки избранных, но равнодушным не оставил никого. Родился Казимир Северинович Малевич в 1879 году в Киеве. Происходил из семьи этнических поляков. Семья была большая. Казимир был старшим из 14 детей. В семье говорили исключительно по-польски, с соседями общались на украинском языке. В 1905 году Малевич уехал в Москву. Он попытался поступить в Московское училище живописи, но его не зачислили на курс. В 1906 году он предпринял вторую попытку поступить в училище, опять провалился и вернулся домой. В 1907 году вся семья перебралась в Москву. Казимир стал посещать занятия по художественному творчеству. В 1910 – 1914 годах началась полоса признания неопримитивистского творчества Малевича. Он принял участие в большом количестве московских выставок (например, «Бубновый валет»), выставлялся в мюнхенской галерее.

14 слайд

Описание слайда:

15 слайд

Описание слайда:

Знаменитая картина поделила на два периода не только жизнь художника, но и историю художественного искусства. С одной стороны, совсем необязательно быть великим художником, чтобы нарисовать черный квадрат на белом фоне. Да любой так сможет! Но вот в чем загадка: «Черный квадрат» - самая знаменитая картина в мире. Уже 100 лет прошло с момента ее написания, а споры и бурные дискуссии не прекращаются. Почему это происходит? В чем заключается истинный смысл и ценность «Черного квадрата» Малевича?

16 слайд

Описание слайда:

1. «Черный квадрат» - это темный прямоугольник Начнем с того, что «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет - это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

17 слайд

Описание слайда:

2. «Черный квадрат» - это неудавшаяся картина Для футуристической выставки «0,10», открывавшейся в Петербурге 19 декабря 1915 года, Малевич должен был написать несколько картин. Время уже поджимало, и художник то ли не успевал дописать картину к выставке, то ли не был доволен результатом и сгоряча замазал ее, нарисовав черный квадрат. В этот момент в мастерскую зашел один из его друзей и, увидев картину, закричал: «Гениально!» После чего Малевич и решил воспользоваться случаем и придумал некий высший смысл своему «Черному квадрату». Отсюда и эффект растрескавшейся краски на поверхности. Никакой мистики, просто картина не получилась.

18 слайд

Описание слайда:

3. «Черный квадрат» - это разноцветный куб Казимир Малевич неоднократно заявлял, что картина создана им под воздействием бессознательного, некоего «космического сознания». Некоторые утверждают, что исключительно квадрат в «Черном квадрате» видят люди со слаборазвитым воображением. Если же при рассмотрении этой картины вы выйдете за рамки традиционного восприятия, за пределы видимого, то поймете, что перед вами не черный квадрат, а разноцветный куб. Тайный смысл, вложенный в «Черный квадрат», можно тогда сформулировать так: мир, окружающий нас, только на первый, поверхностный, взгляд выглядит плоским и черно-белым. Если человек будет воспринимать мир объемно и во всем разноцветии, его жизнь кардинально изменится. Миллионы людей, которых, по их словам, инстинктивно притягивало к этой картине, подсознательно чувствовали объемность и разноцветность «Черного квадрата». Черный цвет поглощает все другие цвета, поэтому увидеть в черном квадрате разноцветный куб достаточно сложно. А увидеть за черным белое, за ложью правду, за смертью жизнь сложнее многократно. Но тому, кому удастся это сделать, откроется великая философская формула.

19 слайд

Описание слайда:

Одновременно были созданы и экспонировались на той же выставке «Черный круг» и «Черный крест», представляя три основных элемента супрематической системы. Позднее были созданы еще два супрематических квадрата - красный и белый.

20 слайд

Описание слайда:

21 слайд

Описание слайда:

Что касается смысла картины, то Ксана Бланк отважилась сравнить супрематизм Казимира Малевича и творчество Льва Толстого. В одном рассказе Толстого присутствует описание комнаты, где главного героя охватывает тоска. Комната выглядит следующим образом. Стены помещения выбелены в белый цвет. Само пространство имело квадратную форму, что очень сильно влияло на человека. Присутствовало лишь одно окно, на котором повесили занавеску красного цвета. Таким образом, считается, что красный квадрат символизирует тоску. Ранее Малевич объяснял смысл своего первого «Черного квадрата». Он заключался в том, что квадрат был для автора неким чувством, а белый фон выступал в качестве пустоты, скрывающейся за этим чувством. В связи с этим Ксана Бланк пришла к тому, что картина «Красный квадрат» символизирует страх перед приходом неминуемой смерти и боязнь пустоты в жизни человека.

22 слайд

Описание слайда:

В 1916 году им было организовано общество «Супремус», где он пропагандировал идеи ухода от кубизма и футуризма к супрематизму. После революции он, что называется, «попал в струю» и стал много заниматься вопросами развития советского искусства. К этому времени художник жил уже в Петрограде, работал с В. Мейерхольдом и В. Маяковским, преподавал в Народном художественном училище, которым руководил М. Шагал. Малевич создал общество УНОВИС (многие ученики Малевича преданно следовали за ним из Петрограда в Москву и обратно) и даже родившуюся дочь называл Уной. В 20-ые годы работал директором различных музеев и институтов Петрограда, вел научную и преподавательскую работу, выставлялся в Берлине и Варшаве, открыл несколько выставок в ведущих музеях Петрограда и Москвы, преподавал в Киеве, где специально для него была открыта мастерская.

23 слайд

Описание слайда:

К.С.Малевич. Крестьянка. 1928 – 1932г.г. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

24 слайд

Описание слайда:

Казимир Малевич создал “Крестьянку” в 1928-1930-х годах. Он остался верным своим традициям: объемные геометрические формы пестрящих оттенков, непропорциональные части тела, минималистичный фон, люди, напрочь лишенные индивидуальности. . Художник изображает своего персонажа с черным овалом на месте головы, безвольно и бессильно опущенными руками, белое одеяние указывает на то, что это женщина. Фигура стоит на контрастирующих между собой полосах цветного поля. На фоне никаких других тел нет: здесь автор тоже остался верен своему стилю. Однако отличительной особенностью “Крестьянки” является контур ее платья. Сравнивая черно-белую женщину с общим многоцветием, можно свидетельствовать о том, что ее образ мрачен. Картина символизирует жизненный уклад крестьян – рабочего народа. Их рабский труд, нескончаемые заботы и муки от нелегкой жизни – вот что изображают такие полотна. Малевич обезличивает своих героев, показывает их массовость, одинаковость, ничтожность и мелочность жизни человека.

25 слайд

Описание слайда:

В 1930 году Малевич был посажен в тюрьму. Ему было предъявлено обвинение в шпионаже в пользу Германии. Но следователи и друзья в органах сделали все, чтобы через полгода художник вышел на свободу. Мало кто знает, что кроме “Черного квадрата”, есть еще “Черный круг” и “Черный треугольник”, а сам “Черный квадрат” мастер переписывал несколько раз и только последняя, четвертая версия, его полностью удовлетворила. В 30-ых годах он работал в Русском музее, много выставлялся, но писал в основном портреты, хотя интересовался архитектурой и скульптурой. В 1933 году он тяжело заболел, а в 1935 скончался. Захоронен недалеко от села Немчиновка, где долгое время жил и работал.

26 слайд

Описание слайда:

27 слайд

Описание слайда:

Судьба Павла Николаевича Филонова поистине драматична. За свою жизнь он не продал ни одной из своих картин, считая, что всё, созданное им, должно принадлежать только народу. За десять лет до смерти, нищий и полуголодный, художник продолжал писать без перерыва. Непонятый, отторгнутый современниками, забытый некоторыми учениками, не имеющий возможности выставляться, он всё же мечтал передать свои картины государству. После начала блокады Ленинграда Филонов дежурил на чердаке, сбрасывая с крыши зажигательные бомбы: он очень боялся, что картины погибнут в огне - это было всё, что он создал за всю свою жизнь. По воспоминаниям очевидцев, Филонов, закутанный в лохмотья, часами стоял на продуваемом всеми ветрами чердаке и всматривался в летящий в квадрате окна снег. Он говорил: «Пока я стою здесь, дом и картины останутся в целости. Но я не трачу время даром. У меня столько замыслов в голове». Филонов умер от истощения в самом начале блокады.

МХК, 11 класс

Урок № 28

Архитектура

XX века

Д.З.: Глава 25, ?? (с.319-320), тв. задания (с.320-322)

Урок № 26

Часть 1

ЦЕЛИ УРОКА

Содействовать осознанию учащихся роли архитектуры ХХ века в мировой культуре;
Развивать умение самостоятельно изучать материал и подготовить его к презентации; продолжать развивать умение анализировать произведения архитектуры;
Воспитывать культуру восприятия шедевров архитектуры ХХ века.

ПОНЯТИЯ, ИДЕИ

конструктивизм;
модулор;
Ш. Э. Ле Корбюзье;
В. Е. Татлин;
«всемирный стиль»;
конструктивизма в СССР;
памятник «Башня III Интернационала»;
«органическая архитектура»;
Ф. Л. Райт;
О. Нимейер;
«идеальный город»

Универсальные учебные действия

характеризовать особенности  соотносить  оценивать значение и вклад   описывать и анализировать     исследовать проблему новизны  снимать видеорепортаж
характеризовать особенности развития мировой архитектуры XX в. (на примере шедевров зодчества);
 соотносить произведение архитектуры с определенной конкретно-исторической эпохой, стилем, национальной школой;
 оценивать значение и вклад отдельных архитекторов в историю развития мирового искусства;
 комментировать научные точки зрения и оценки творчества отдельных авторов;
 описывать и анализировать памятники мировой и отечественной архитектуры в единстве формы и содержания;
 разрабатывать индивидуальный творческий проект архитектурного сооружения в стиле одного из архитекторов XX столетия;
 проводить сравнительный анализ лучших образцов архитектурного конструктивизма в творчестве Ш. Э. Ле Корбюзье и В. Е. Татлина;
 исследовать влияние творческого метода А. Гауди на архитектуру Ф. Л. Райта (в рамках индивидуального творческого проекта);
 исследовать проблему новизны архитектурных решений О. Нимейера и отказа от классических традиций;
 снимать видеорепортаж о памятниках архитектуры современности вашего города

ИЗУЧЕНИЕ НОВОГО МАТЕРИАЛА

Задание на урок. Какое значение для Мировой цивилизации и культуры имеет творчество представителей архитектуры ХХ века?

подвопросы

Конструктивизм Ш. Э. Ле Корбюзье и В. Е. Татлина. Новые идеи и принципы архитектуры XX в. Ш. Э. Ле Корбюзье как создатель «всемирного стиля» в архитектуре XX в. Поиск простых форм и системы пропорций. Художественные принципы Ш. Э. Ле Корбюзье (на примере известных сооружений). Развитие конструктивизма в СССР. В. Е. Татлин как основоположник советского конструктивизма и дизайна. Художественные идеи В. Е. Татлина и их реальное воплощение. Модель памятника «Башня III Интернационала» - главное творение архитектора.
«Органическая архитектура» Ф. Л. Райта. Всемирное признание творческого метода Ф. Л. Райта (на примере виллы Кауфмана). Оригинальность и новизна архитектурных решений произведений.
О. Нимейер: архитектор, привыкший удивлять. Уникальность стиля и «поэзия формы». Мечта об «идеальном городе» и ее реальное воплощение (на примере города Бразилиа). Поиски национального своеобразия современной архитектуры

Основные направления в архитектуре начала ХХ века:

Модерн
Конструктивизм
Органика
Постмодернизм
Деконструктивизм

В начале XX века на смену пришли чёткие конструкции .

В архитектуре 1920 -1930-х гг. господствующее положение занял конструктивизм (простота, утилитаризм и экономичность) оригинальный вариант общеевропейского течения функционализма , названный интернациональным стилем.

Функционализм (в советском союзе – конструктивизм ) - направление, требующее строгого соответствия зданий и сооружений.

КОНСТРУКТИВИЗМ (construo - строю) - направление возникшее в двадцатые годы 20 века.

Конструктивизм - советский авангардистский метод (направление).

Конструктивизм – применение геометрических принципов во всех сферах жизни (архитектура, мебель, одежда).

Цель - устроение современной жизни, преобразование общественного быта.

Идеи и принципы:

- архитектура должна быть лёгкой и давать ощущение парения;

Архитектура должна подчинить себе огромные потоки света внутри здания и научиться снаружи обыгрывать световые эффекты;

Благодаря новым материалам и технологиям архитектура должна научиться оперировать целостными пространствами огромных размеров.

В архитектуре ХХ в. гармонично соединились новые технические

возможности и художественное творчество.

Клуб имени Зуева, г.Москва

Клуб им. Русакова

Главные объекты – функциональные сооружения нового типа:

вокзалы, фабрики, заводы, мосты, общественные сооружения и жилые дома.

здание Моссельпрома, г.Москва

Архитекторы стремились создать комфортную атмосферу с простыми и ясными формами зданий.

Для выразительности используются: ассимметрия, противопоставление горизонтальных и вертикальных плоскостей, сочетание постройки с пейзажем.

В архитектуре создаются формы пчелиных сот, колосьев, раковин, кукурузных початков и т.д.

Дом Оперы в Сиднее. Австралия

Принципы новой архитектуры:

лёгкость и ощущение парения;
много света внутри здания;
пространство огромных размеров.

Окна нередко стали заменять стены, интерьеры освобождались от излишеств и перегруженности деталями.

Стальные каркасы с вертикальными конструкциями, напичканные скоростными лифтами и другой техникой, явно бросали вызов классике .

Характерные черты конструктивизма - строгость, геометризация, лаконичностью форм и монолитность внешнего облика.

– создатель первых небоскребов , ставших символом современного американского города. Он сформулировал принципы строения высотных зданий, которыми архитекторы пользуются до сих пор.

ЛУИС

САЛЛИВЕН

(1856-1924)

Первый небоскреб чикагского архитектора Луиса Салливена в городе Сент-Луисе произвёл настоящий переворот в архитектуре.

небоскребы в Чикаго. США

«…Дом человека должен напоминать «жилище пчёл», поэтому следует возводить «ульи для людей» - единообразные и стандартные сооружения, где человек будет себя чувствовать частью гигантской городской биосферы».

Чикаго. Небоскребы.

Луис Салливан сформулировал принципы небоскребостроения: Первое - небоскребу нужен подземный этаж , в котором будут размещаться бойлерные, силовые установки и прочие устройства, обеспечивающие здание энергией и теплом. Второе - первый этаж должен быть отдан банкам, магазинам и иным заведениям, которым необходимо большое пространство, много света, яркие витрины и легкий доступ с улицы. Третье - второй этаж должен иметь не меньше света и простора, чем первый.

Четвертое - между вторым этажом и самым верхним должны располагаться бесчисленные офисные помещения , не отличающиеся друг от друга по планировке. Пятое - самый верхний этаж , так же как и подземный, должен быть техническим . Здесь располагаются системы вентиляции.

Выдающийся французский архитектор конструктивизма в XX в., создатель «всемирного стиля».

Впервые начал использовать в своих постройках сборные модули из железобетона

ЛЕ КОРБЮЗЬЕ

Ле Корбюзье. Вилла Савой . 1927-31гг. Пуасси

Основы для «новой архитектуры» он искал в чисто геометрических формах, линиях под прямым углом, в безупречных сочетаниях вертикали и горизонтали, в абсолютном белом цвете .

Знаменитую виллу отличают изысканное совершенство форм и чёткость пропорций. Террасы, расположенные на разных уровнях, переходные мостики, пандусы и лестницы, пронизывающие пространство, яркое освещение создают впечатление слияния с природой и возможности полного уединения для человека.

Вилла «Савой» (1927-1931) Пуасси, Франция

Изобретает систему архитектурных пропорций, выведенных на основе пропорций фигуры человека - модулор

ЖИЛОЙ ДОМ В МАРСЕЛЕ (1945-1952)

Дом – жилище для человека – это «машина для жилья».

– своеобразная модель идеального жилища для человека . Рассчитанный на 350 семей (примерно 1600 человек), он наглядно воплощает идею автора о том, что «дом – это машина для жилья».

Дом поднят на высокие столбы-опоры, он включает 337 двухэтажных квартир, магазины, отели, сад на крыше, спортзал, беговую дорожку, бассейн, детский сад , то есть все, что необходимо человеку для благоустроенной жизни.

Архитектурные сооружения

Ле Корбюзье

Капелла Нотр-Дам-дю-О,

Роншамп, Франция

Дом

Центросоюза

в Москве.

В СССР развитие конструктивизма имело важное значение не только для архитектуры, но и для всех видов искусства. Художники 1920- х гг. выдвинули задачу конструирования материальной среды, окружающей человека. Они стремились использовать новую технику для создания простых, логичных, функционально оправданных форм и целесообразных

конструкций. Оригинальные архитектурные проекты

братьев А. А., В. А. и Л. А. Весниных, М. Я. Гинзбурга,

А. В. Щусева, И. И. Леонидова, К. С. Мельникова были осуществлены в крупнейших городах России.

Владимир Евграфович Татлин

- основоположник советского художественного конструктивизма и дизайна, живописец, стенограф.

Башня III Интернационала. 1919-1920гг.

Высота 400м, в 1,5 раза больше Эйфелевой башни.

ОРГАНИКА (органическая архитектура) - направление в архитектуре, впервые сформулированное Луисом Салливеном на основе положений эволюционной биологии в 1890-е гг .

Параллельно с конструктивизмом развивалось направление, условно называемое "органической архитектурой".
Здание состоит из множества различных блоков, которые являются законченными только в составе здания .

Органическая архитектура подразумевает отказ от строгих геометрических форм .

При проектировке каждого здания учитывается тип окружающей местности, его назначение , всё подчинено гармонии.

Каждая комната имеет своё предназначение, которое угадывается с первого взгляда.

Причины давшие толчок развитию органической архитектуры:

наличие новых конструкционных материалов, позволяющих создавать самые причудливые архитектурные формы;
чувство единения с природой, которое даёт такое здание.

ФРЭНК ЛЛОЙД

РАЙТ

«...Архитектура должна в первую очередь «обслуживать» жизнедеятельность человека, а уж потом быть символом отвлечённых понятий «добра и красоты». Здание не должно подавлять ландшафт, а естественным образом вырастать из него, сливаясь с ним и образуя органическое единство».

(1869-1959)

Идея органической архитектуры, выдвинутая американским зодчим и теоретиком искусства Фрэнком Ллойдом Райтом (1869-1959), получила всемирное признание и практическое

воплощение во многих странах. Архитектуре он отводил роль объединяющего начала между человеком и окружающей средой. По его мнению, она должна в первую очередь «обслуживать» жизнедеятельность человека, а уж потом быть символом отвлечённых понятий «добра и красоты». Здание должно не подавлять

ландшафт, а естественным образом вырастать из него, сливаясь с ним и образуя органическое единство.

Под влиянием японской архитектуры он выработал свой так называемый «Стиль прерий» - лёгкие нависающие карнизы, низкие открытые террасы, размещённые в уединённых садах вблизи природных водоёмов. Он считал, что прерии обладают «своей собственной красотой», а потому задача архитектора заключается в том, чтобы «разглядеть и подчеркнуть это природное великолепие».

В круг его интересов входили частные загородные виллы и массовые городские застройки.

Загородный дом Кунлей . Риверсайд

ВИЛЛА Э. КАУФМАНА «НАД ВОДОПАДОМ» (1936-1939)

Более сотни частных домов создал Ф.Л. Райт всего за десять лет, но в каждый привнёс уникальное архитектурное решение.

Вилла стала подлинным шедевром архитектора. Грубая складка стен из колотого камня естественным образом продолжала скалы, сливалась с небольшим водопадом, могучими деревьями и лесным ручьем. Железобетонные балки, закрепленные в скале, поддерживали сложную систему нависающих террас. Лестница в центре дома спускалась прямо к водопаду. Архитектура сооружения в прямом смысле слова «растворилась» в природе.

МУЗЕЙ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА Гуггенхайма (1943-1959) Нью-Йорк

одним из первых музеев современного искусства в мире. Сейчас этот музей, расположившийся на Манхеттене в Нью-Йорке, пользуется заслуженной славой и популярен у посетителей.

«..Райт был последним романтиком и первым рационалистом в американской архитектуре» (А. В. Иконников).

Посетители музея Гуггенхейма начинают просмотр сверху и по спирали спускаются вниз. Эту уникальную концепцию расположения залов предложил архитектор Ф. Л. Райт.

Оскар Нимейер и его дворцы из стекла и бетона.

Оскар Нимейер - классик архитектуры, работавший еще с Ле Корбюзье, построивший "город будущего" - столицу своей страны Бразилиа и соавтор проекта штаб-квартиры ООН в Нью-Йорке. Он не переставал творить почти до самой смерти.

Оскар Нимейер скончался на 105-м году жизни. Его наследие - более 400 зданий в 18 странах мира,

(1907-2012)

"Меня не привлекают прямые углы и прямые, неизменные и четкие линии, созданные человеком. Меня привлекают кривые, свободные и чувственные. Те кривые, которые мы можем видеть в горных силуэтах, в форме морских волн, на теле любимой женщины"

Самый известный проект Нимейера - проект города Бразилиа.

В основе генерального плана новой столицы Бразилии (г.Бразилиа) лежало пересечение двух осей, по форме напоминающее силуэт летящего лайнера.

Он прославился экспериментами в области железобетонной архитектуры.

Его фирменный стиль отличает широкое использование криволинейных форм, обилие света, пространства.

министерство

иностранных дел

Бразилии

"Я считаю, что архитектура удалась, если она видна сразу после того, как закончены основные конструкции. Вот что важно, а не то, чем их потом облепят", - говорил он в одном из интервью.

Жилой дом "Копан" в Сан-Паулу (1951-1965 гг.), является сокращением от C ompanhia P an- A mericana de H otéis e Turismo

Огромное волнистое здание, напоминающее развивающийся флаг, это – самый большой жилой комплекс в Латинской Америке.

Дом состоит из шести блоков пристроенных друг к другу. Все блоки связаны друг с другом в трех местах: крыша, торговая галерея и цокольные этажи .

Высота - 140 м, 38 этажей, 1160 квартир и примерно 5000 жителей . Мэрия Сан-Паулу выделила собственный индекс (сер.: 01046-925) зданию в виду его густонаселенности.

Площадь 6006 м² .

Дворец правительства в г. Бразилиа, 1960

Своеобразие архитектурного стиля О. Нимейера составляют

необыкновенная пластичность форм, выражающаяся в плавности

переходов от интерьера к внешнему пространству, введение в композицию произведений живописи и скульптуры, органическое

соединение архитектуры с садово - парковым искусством.

Нередко его стиль называют стилем «элегантных кривых линий».

Музей современного

искусства в Нитерое, 1996

«Меня не привлекает ни прямой угол, ни прямая, жёсткая,

негнущаяся линия, созданная человеком. Меня манит свободно изогнутая и чувственная линия. Та линия, которая напоминает мне горы моей страны, причудливые изгибы рек, высокие облака...»

О. Немейера

Кафедральный собор в г. Бразилиа, 1960-1970

Над землёй возвышаются, подобно гигантской короне, только 16 белых стреловидных колонн , каждая из которых в виде параболической кривой отходит от маленькой крыши. 90-тонные опоры сужаются к земле, что придаёт всей конструкции необычайно лёгкий и изящный вид. Наиболее сложные функциональные части здания спрятаны под землёй . Между опорами располагается сетка из цветного стекла , которая при взгляде снаружи ночью или изнутри днём представляет собой ярки й свод голубых и зелёных оттенков.

Дворец Национального конгресса в г. Бразилиа, 1960

Делом всей жизни архитектора стала разработка генерального

плана застройки «первой столицы современной цивилизации» - города Бразилиа.

Спроектировав основную массу административных

и жилых зданий, он в течение трёх лет (1957-1960) воплощал мечту об идеальном городе, соразмерном потребностям

человека и отвечавшем его представлениям о красоте. Буквально на пустом месте был создан один из самых необычных городов планеты, имеющий в настоящее время статус объекта Всемирного наследия ЮНЕСКО.

Национальный музей Бразилии, 2006

Контраст куполов и пирамид, стреловидные колонны и округлые чаши, строгие геометрические формы и распахнутые

площади и парки, простор и логика в планировке улиц - всё это делает город, созданный гением О. Нимейера, неповторимо ярким

и выразительным.

Национальный музей и Национальная библиотека в Бразилиа, 2006 г.,

по проектам 1958 г.

Контрольные вопросы

1 . Какие принципы архитектуры конструктивизма воплощал Ш. Э. Ле Корбюзье?

Что отличает его градостроительные проекты? Удалось ли ему осуществить

«социальную миссию» архитектуры, создать для человека «благодатную и

жизнерадостную картину»?

2. Башня В. Е. Татлина – памятник III Интернационала - до сих пор не утратила

своей актуальности и поражает смелостью архитектурных и художественных

решений. В чём заключаются главные открытия автора? В чём проявилась

универсальность его взглядов? Насколько утопичными вам представляются

идеи великого мечтателя? В чём причина их забвения и последующего

возрождения в искусстве мировой архитектуры? Сравните образцы

Архитектурного конструктивизма в творчестве Ш. Э. Ле Корбюзье и В. Е. Татлина.

3. Неосуществлённые идеи В. Е. Татлина позднее использовались во многих

современных сооружениях, например: зданиях правительственного комплекса

г. Бразилиа (арх. О. Нимейер), конструкциях Центра им. Ж. Помпиду в Париже (арх.

Р. Роджерс, Р. Пиано), здании Музея современного искусства Гуггенхайма в Нью-

Йорке (арх. Ф. Л. Райт), Оперном театре в Сиднее (арх. Й. Утцон). Насколько

правомерно утверждение, что башня В. Е. Татлина стала образцом,

стимулирующим творческую мысль современных архитекторов? В чём вы

видите реальное воплощение идей В. Е. Татлина? Поясните свой ответ.

4. Историк искусства архитектуры П. Наттгенс писал о вилле «Над водопадом»:

«Райт создал ярчайший пример рукотворного сооружения, дополняющего

природу». В чём и как оно «дополнило природу»? Какое воплощение в его

архитектурном облике нашёл «стиль прерий»? Как в произведениях Ф. Л. Райта

воплотилась извечная мечта и о жизни человека среди нетронутой природы?

Можно ли говорить о влиянии А. Гауди на творчество Ф. Л. Райта?

5. В одном из интервью О. Нимейер говорил: «Главное в архитектуре - чтобы она

была нова, трогала человека за душу, была полезна ему, чтобы человек мог

насладиться ею» . В чём новизна архитектуры О. Нимейера? Способна ли она

взволновать душу человека и одновременно быть полезной для него?

Творческая мастерская

1. Дайте сравнительную характеристику известного вам здания

модерна и конструктивизма. В какой мере они отвечают главным

критериям архитектуры: пользе, прочности и красоте? В каком

здании предпочли бы жить лично вы? Почему?

2. Ш. Э. Ле Корбюзье сформулировал пять основных принципов

новой архитектуры: дом на столбах для усиления связи с

пространством окружающей среды; свободная планировка, которая

позволяет изменять и корректировать функциональные процессы;

свободное построение фасада для более широких композиционных

решений; с учётом зрительного восприятия предлагается

горизонтально-ленточная форма окон; плоская крыша для

увеличения полезной площади, где можно размещать сады. Какое

отражение в сооружениях Ле Корбюзье нашли эти принципы

архитектуры? В чём выразилось его влияние на

дальнейшее развитие архитектуры?

3. Рассмотрите изображение капеллы в Раншане Ш. Э. Ле Корбюзье.

Какие новые технологии были применены в её сооружении? Какими

монументальности её архитектурного облика? Сравните это

произведение с известными вам традиционными культовыми

постройками. Что их отличает?

Творческая мастерская

4. Идея В. Е. Татлина о создании башни III Интернационала может

быть рассмотрена в свете высотного строительства в различные

исторические эпохи (пирамиды Древнего Египта и доколумбовой

Америки, зиккураты Месопотамии, инженерные и культовые

сооружения Античности, Средневековья и Древнего Востока). Какие

задачи ставили перед собой их создатели? Как воплощали в них

главные идеи своей исторической эпохи?

5. В здании Музея современного искусства Гуггенхайма в Нью-Йорке,

выполненного по проекту Ф. Л. Райта, историк архитектуры

Д. С. Керл видел «Поразительное упражнение в формальной

геометрии», но никак не здание, предназначенное для

рассматривания произведений искусства. Другие воспринимали его

как массивную скульптуру. Как вы думаете, какие основания были

для подобных оценок?

6. Творчество О. Нимейера испытывало сильное влияние Ш. Э. Ле

Корбюзье, однако он сумел выработать собственный стиль. Чем

можно объяснить тот факт, что некоторые критики называют

архитектурные сооружения Нимейера скульптурами, а его самого

«Скульптором –монументалистом»? Правомерно ли это, с вашей

точки зрения?

Темы проектных исследований или презентаций

1. Развитие архитектурных идей Ш. Э. Ле Корбюзье.

2. Основные принципы архитектуры и их воплощение Ш. Э. Ле Корбюзье.

3. Особенности городских ансамблей Ш. Э. Ле Корбюзье.

4. Ш. Э. Ле Корбюзье - архитектор будущего.

5. "Всемирный стиль" Ш. Э. Ле Корбюзье.

6. Архитектурный конструктивизм одного из городов России.

7. Творческие поиски архитекторов-конструктивистов 1920-1930-х гг.

8. Выразительные возможности произведений В. Е. Татлина.

9. Художественные идеи В. Е. Татлина и их реальное воплощение в произведениях современной архитектуры.

10. Значение работ В. Е. Татлина в развитии искусства дизайна и архитектуры.

11. Вавилонская башня и башня III Интернационала В. Е. Татлина: утопия или реальность замысла.

12. Идеи "органической архитектуры" и их образное воплощение в

произведениях Ф. Л. Райта.

13. Архитектурные фантазии Ф. Л. Райта.

14. "Прерийный стиль" и его воплощение в сооружениях Ф. Л. Райта.

15. В чём оригинальность архитектурного решения Музея современного искусства Гуггенхайма?

16. Проблема образной выразительности в творчестве О. Нимейера.

17. "Поэзия формы" О. Нимейера.

18. Особенности культовой архитектуры.

19. Мечта об "идеальном городе" и её воплощение в творчестве (на примере г. Бразилиа).

20. Творения Ш. Э. Ле Корбюзье и О. Нимейера: опыт сравнительного анализа.

21. Творчество О. Нимейера: новизна архитектурных решений или отказ от классических традиций.

Сегодня я узнал…
Было интересно…
Было трудно…
Я научился…
Я смог…
Меня удивило…
Мне захотелось…

Литература:

Программы для общеобразовательных учреждений. Данилова Г. И. Мировая художественная культура. – М.: Дрофа, 2011
Данилова, Г. И. Искусство/ МХК. 11 кл. Базовый уровень: учебник / Г.И. Данилова. М.: Дрофа, 2014.
Калинина Е.М., учитель ИЗО и МХК, МОУ "Ермишинская СОШ», р.п. Ермишь, Рязанская область http://urokimxkizo.ucoz.ru/

Слайд 2

Описание слайда:

Слайд 3

Описание слайда:

Слайд 4

Описание слайда:

Слайд 5

Описание слайда:

Слайд 6

Описание слайда:

Слайд 7

Описание слайда:

Слайд 8

Описание слайда:

Слайд 9

Описание слайда:

Слайд 10

Описание слайда:

Слайд 11

Описание слайда:

Слайд 12

Описание слайда:

Слайд 13

Описание слайда:

Слайд 14

Описание слайда:

Слайд 15

Описание слайда:

Слайд 16

Описание слайда:

Слайд 17

Описание слайда:

Слайд 18

Описание слайда:

Слайд 19

Описание слайда:

Слайд 20

Описание слайда:

Слайд 21

Описание слайда:

Слайд 22

Описание слайда:

Слайд 23

Описание слайда:

Слайд 24

Описание слайда:

Слайд 25

Описание слайда:

Слайд 26

Описание слайда:

Слайд 27

Описание слайда:

Слайд 28

Описание слайда:

Слайд 29

Описание слайда:

Слайд 30

Описание слайда:

Слайд 31

Описание слайда:

Слайд 32

Описание слайда:

Слайд 33

Описание слайда:

Слайд 34

Описание слайда:

Слайд 35

Описание слайда:

Нет-арт (Net Art - от англ. net - сеть, art - искусство) Новейший вид искусства, современных арт-практик, развивающийся в компьютерных сетях, в частности, в сети Интернет. Его исследователи в России, вносящие вклад и в его развитие, О.Лялина, А.Шульгин считают, что суть Нет-арт сводится к созданию коммуникационных и креативных пространств в Сети, предоставляющих полную свободу сетевого бытия всем желающим. Поэтому суть Нет-арта. не репрезентация, а коммуникация, и своеобразной арт-единицей его является электронное послание. Нет-арт (Net Art - от англ. net - сеть, art - искусство) Новейший вид искусства, современных арт-практик, развивающийся в компьютерных сетях, в частности, в сети Интернет. Его исследователи в России, вносящие вклад и в его развитие, О.Лялина, А.Шульгин считают, что суть Нет-арт сводится к созданию коммуникационных и креативных пространств в Сети, предоставляющих полную свободу сетевого бытия всем желающим. Поэтому суть Нет-арта. не репрезентация, а коммуникация, и своеобразной арт-единицей его является электронное послание.

Описание слайда:

(англ. Op-art - сокращенный вариант optical art - оптическое искусство) - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (модернизм). Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму представителем которого был В. Вазарели (с 1930 по 1997г.работал во Франции) - основоположник оп-арта. Возможности Оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве. (англ. Op-art - сокращенный вариант optical art - оптическое искусство) - художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (модернизм). Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму представителем которого был В. Вазарели (с 1930 по 1997г.работал во Франции) - основоположник оп-арта. Возможности Оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве.

Описание слайда:

(graffiti - в археологии любые процарапанные на какой-либо поверхности рисунки или буквы, от итал. graffiare - царапать) Так обозначаются произведения субкультуры представляющие собой в основном крупноформатные изображения на стенах общественных зданий, сооружений, транспорта, выполненные с помощью разного рода пульверизаторов, аэрозольных баллончиков с краской. (graffiti - в археологии любые процарапанные на какой-либо поверхности рисунки или буквы, от итал. graffiare - царапать) Так обозначаются произведения субкультуры представляющие собой в основном крупноформатные изображения на стенах общественных зданий, сооружений, транспорта, выполненные с помощью разного рода пульверизаторов, аэрозольных баллончиков с краской.

Слайд 42

Описание слайда:

Слайд 43

Описание слайда:

(от англ. land art - земляное искусство), направление в изоискусстве последней трети XX в., основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Художники прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы, избирая для своих акций обычно безлюдные места - первозданные и дикие ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу. (от англ. land art - земляное искусство), направление в изоискусстве последней трети XX в., основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Художники прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы, избирая для своих акций обычно безлюдные места - первозданные и дикие ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу.

Описание слайда:

(minimal art - англ.: минимальное искусство) - худож. течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творч. самоограничения художника. (minimal art - англ.: минимальное искусство) - худож. течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творч. самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классич. приемы творчества и традиц. худож. материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрич. форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства.

Слайд 48

– презентация по мхк, продолжающая тему «Искусство XX века». Это попытка дать представление о разнообразии направлений в европейском изобразительном искусстве XX столетия.

Живопись XX века – новый язык искусства

Иллюстрации в презентации «Живопись XX века – новый язык искусства» , познакомят с некоторыми основными направлениями в изобразительном искусстве XX века. Ни одна эпоха не подарила мировой художественной культуре столько имён и творений, сколько двадцатое столетие. Наряду с реалистическим искусством, продолжающим развиваться вопреки призывам авангардистов уничтожить старое искусство, появляются такие направления, как фовизм, экспрессионизм, футуризм, кубизм, абстракционизм, сюрреализм и прочие «измы «. Новый язык искусства многими был не понят, часто вызывая возмущение или насмешки. Кардинальные перемены в жизни общества привели к рождению новых форм в искусстве.

Новый язык искусства

Есть ли нечто, что объединяет эти многочисленные направления в живописи? Главное, на мой взгляд, это стремление создать новые формы, отрицание «старого искусства», тенденция к разрушению традиций. В этом плане характерны манифесты дадаистов и футуристов, в которых они стремились обосновать появление творений, часто шокирующих и вызывающих недоумение и возмущение у любителей искусства:

Манифест футуризма

1909 г., Италия, Филиппо Маринетти

Из Италии мы провозглашаем всему миру этот наш яростный, разрушительный, зажигающий манифест. Этим манифестом мы учреждаем сегодня Футуризм, потому что хотим освободить нашу землю от зловонной гангрены профессоров, археологов, краснобаев и антикваров…

Музеи – кладбища!.. Между ними, несомненно, есть сходство в мрачном смешении множества тел, неизвестных друг другу. Музеи – общественные спальни, где одни тела обречены навечно покоиться рядом с другими, ненавистными или неизвестными. Музеи – абсурдные скотобойни художников и скульпторов, беспощадно убивающих друг друга ударами цвета и линии на арене стен!…

Поднимите голову! Гордо расправив плечи, мы стоим на вершине мира и вновь бросаем вызов звездам!

Живописцы XX века не ставят перед собой цели отображать действительность, они убеждены, что

«Цель искусства − не передача впечатлений от действительности, а пропущенное через личность художника изображение её трагической и хаотической, враждебной человеку сути »

Таково, например, искусство экспрессионистов, на чьё творчество оказали сильнейшее влияние политические события в Европе первой половины XX столетия.

А искусство ли это?

“Каннибальский манифест Дада”

1918 г., Париж, Франсис Пикабия

«…Дада ничем не пахнет, он – ничто, ничто, ничто.

Как ваши надежды: ничто,

как ваши райские кущи: ничто,

как ваши кумиры: ничто,

как ваши политические мужи: ничто,

как ваши герои: ничто,

как ваши художники: ничто,

как ваши религии: ничто»

«Дадаизм — это великолепно!!!

«Дада − это Искусство! Это, на мой взгляд, одно из тех течений, имевших громкую славу; непринятое большинством и, как следствие этого, прожив бурную и короткую жизнь.
Дадаизм − это памятник пластиковой бутылке, это картины с наклеенными на ней предметами… Это философский абсурд, это камень преткновения, это отрицание всего классического и принятого большинством. Дада − это всё и ничто. Это есть и этого нет.
Это есть в каждом, но не все это принимают. Наверное, у Дада есть запах: запах мятежной весёлости, запах вечного поиска абсурда»

Понять труднопонимаемое и часто не принимаемое многими искусство XX века поможет замечательный фильм, созданный умниками (в прямом смысле) АрзамасАкадемии:

Порой, в поисках новых форм в искусстве живописцы XX века приходят к отрицанию содержания, которое было бы понятно ценителям традиционного искусства, эпатируя и шокируя зрителя, как это делали некоторые дадаисты и сюрреалисты.

Разделы: МХК и ИЗО

Класс: 11

Тип урока : комбинированный

Форма урока: урок – совершенствования знаний, формирование нового проблемного видения.

Цели:

Формирование эстетической восприимчивости к представлениям об исторических традициях и ценностях художественной культуры в русской и зарубежной живописи на рубеже 19 – 20 веков.
Развитие и формирование понятия “диалога зрителя и художника” на основе произведений В. Кандинского.
Воспитание эмоциональной сферы учащихся.

Раскрыть и обобщить основные направления художественных течений в живописи рубежа 19–20 веков;
Сформировать целостную, многогранную, наполненную различными индивидуальными чертами художественную картину эпохи;

Оборудование: компьютер, проектор, демонстрационная доска.

Зрительный ряд: э пиграф на доске, презентация - слайд-шоу по теме урока.

Слайд- шоу: О. Ренуар “Качели”, Поль Гоген ““Видение после проповеди, или борьба Иакова с Ангелом”, Э. Мунк “Крик”, В. Борисов – Мусатов “Водоем”, А. Матисс “Красная комната”, С. Дали “Лебеди, отображённые в слонах”, П. Пикассо “Авиньонские девицы, В. Кандинский “Корова”, “Таблицы цветовых гамм”

План урока:

I. Организационный момент. Сообщение темы и задач работы на уроке..

II. Основная часть. Повторение, классификация, обобщение пройдённого материала.

III. Получение новых знаний, на основе анализа пройдённого материала, знакомство с течением “Кубизм”,“Абстракционизм”.

IV. Подведение итогов урока, домашнее задание.

Ход урока

Урок хочу начать словами художника Анри Матисса: “Творить – значит выражать то, что есть в тебе”.

I. Сегодня наша задача будет заключаться в создании определённого портрета эпохи в истории живописного искусства, рубежа 19 -20веков, эпоху полную творческих исканий, экспериментов, которые полностью изменили представления о живописи, и о роли художника в ней. В эту эпоху, когда рождается новое авангардное направление в искусстве, и, к сожалению, до сих пор до конца многими не понятое, и не заслужено, вызывающее отрицание. В начале урока определимся с кругом вопросов, на которые мы должны получить ответ в ходе урока.

Я вывешиваю перед вами на листах бумаги эти вопросы, чтобы, в процессе урока, вы могли всегда их видеть и самим определяться с их ответами.

1. Какое художественное направление можно считать началом авангарда?

2. С какого художественного теченияначинается прорыв сквозь визуальную реальность в мир новой реальности?

3.Как меняется сюжетная тематика художника и почему?

4.Почему термин “изображать” меняется на термин “выражать”?

II. Сначала определимся, как вы понимаете термин “авангард”, “авангардизм”.

Авангард, авангардизм - обобщающее название течений в мировом, возникших на рубеже XIX и XX веков. Им характерна новизна, смелость, экспериментаторское направление в искусстве.

Давайте мы сейчас пройдёмся по художественной выставке, где каждое произведение подобрано так, что оно является определённой вехой в авангардном направлении.

1. Первая картина французского художника О. Ренуара. Нам знакомо творчество этого художника, и это направление в искусстве. Что вы можете вспомнить?

Импрессионизм. Картина “Качели”.

А, Теперь, бы мне хотелось, чтобы вы, немного по - другому, оценили это произведение. Представьте, что бы изменилось в технике письма художника, если бы на такой сюжет писал художник в классической манере?

Одежда мужчины и женщины были бы выписаны цветами без пятен, трава, листья выписаны более тщательно. Особенность письма импрессионистов заключается в изображении реального мира через игру света и тени, расщеплении цвета на спектры.

Отсюда складывается впечатление работы “наспех”, без её детальной проработки. Этим самым манера письма классического направления отличается от импрессионистов.

Можно лишь добавить, что решения импрессионистов писать так, как вижу, а не так как принято и становится отправной точкой отхода от реализма от сюжетного начала в живописи. И если мы посмотрим сейчас на первый поставленный вопрос в начале урока, то ответ уже ясен.

Начало авангардного течения – импрессионизм. Течение, в котором натура изображается так, как её видит глаз, и уже наблюдается превосходство авторского видения над точностью воспроизведения видимого мира. Это первый маленький шаг в новом направлении, это его начало.

2. Поль Гоген “Видение после проповеди, или борьба Иакова с Ангелом”.

Определимся с художественным направлением этой картины.

Поль Гогена относят к художникам постимпрессионистам.

Постимпрессионисты, они идут дальше. Они отказываются от утверждения, что существует лишь то, что глаз видит в данный момент. Поль Гоген активно работает над тем, как можно понять законы, по которым создаются человеческие ощущения. Другими словами, найти ту границу, между реальностью и нереальностью, например, изображением человека и его ощущения. А это уже мир невидимый, мир нереальный. На картине это хорошо видно. Он показал границу между реальностью (бретонские прихожанки) и их видением (Иакова и Ангела).

Обратимся к нашим вопросам. Ответ на второй вопрос только что прозвучал. В художественном течении постимпрессионизм сочетаются реальное и фантастическое, и уже показанпрорыв в “мир новой реальности ”.

3. Э. Мунк “Крик”. Эта картина нам уже знакома. Мы так же знакомы с её направлением.

Экспрессионизм, что означает выражение.

Если выражение, то, что художник выражает именно в экспрессионизме?

Человеческие эмоции, в данном случае негативные: страх, боль, унижение, безысходность.

Человеческие эмоции – это мир реальный или мир невидимый человеческому глазу? Эмоции человека, разновидность их, сила может представиться нам как какая – то реальность? Ведь весь наш урок, основан на понимании реальности и нереальности.

Как реальность, наверное, нет.

Для этого стали использовать новые приёмы, в основе которых является деформация формы. Этот приём был использован Э. Мунком, когда он хотел передать на холсте чувства смертельно испуганного человека. Какой мир становится показывают экспрессионизм?

Экспрессионизм – мир “невидимый”, где главное – человеческие эмоции.

А как вы объясните термин “выражение”, применительно к экспрессионизму?

Наверное, человеческие эмоции, можно только выразить, а не изобразить.

Почему они начинают обращать внимание на такое непростое явление как эмоции?

Наверное, им становится интересен внутренний мир человека.

Родина экспрессионизма, если вы помните, Германия начала 20 веков. Буйный расцвет техники, промышленности на фоне деградации культурных устоев. Подавление личности, никогда человек не был так мал,как тогда, стремление души,вопль её о помощи – вот основные эмоциональные доминанты экспрессионизма.

3. В.Борисов – Мусатов “Водоём”.

Течение символизм, его особенности: художники отодвигают изображение натуры на второй план, главное для них - своё представление о мире своих фантазий, свой невидимый мир. Вводится понятие “символ”, как представителя новой реальности. Новая реальность – только как представление, как фантазия, поэтому допускается её изменение, она может только напоминать о реальном предмете. И символ, не обязательно, должен быть похож на предмет из реального мира. Он может быть условно похожим, а, следовательно, и изображён условно.

Вывод: идея соприкосновения двух миров – видимого и новой реальности, где новая реальность символ видимого мира.

4. А. Матисс “Красная комната”.

Картина французского художника Анри Матисса, “Красная комната” на первый взгляд, необычна. Попробуем разобраться с её особенностями. Необычная цветовая гамма, плоскостное изображение. Как, вы думаете, в каком направлении она написана?

Фовизм. (дикий). Ему характерен открытый цвет, отсутствие объёма. Художники продолжили эксперименты с цветом, объёмом, к условному изображению предмета на картинной плоскости, отказались от иллюзорного воспроизведения трёхмерного пространства, сделав упор на декоративных свойства поверхности картины.

Сказанное все правильно. Осталось немного добавить, что термин “Фовизм” появляется благодаря критику Луи Вокселю.

5. П. Пикассо “Авиньонские девицы”.

Какое авангардное направлениеона представляет?

Вспомните слова П. Сезанна: “Все в природе лепится в форме шара, конуса и цилиндра. Надо учиться писать на этих простых фигурах. Если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что хотите” (МХК, 11 класс, автор Л. Рапацкая, стр.110). Но П. Сезанн имел в виду, что эти базисные формы необходимо держать в сознании как организующее начало картины. Однако Пикассо и его друзья восприняли совет буквально. Появление названия этого течения связывают художественным критиком Луи Восель, который назвал новые картины Брака “кубическими причудами”.

Поэтому, мы конечно, все поняли, о каком течении сейчас идёт речь.

Что можно сказать о кубизме, о его особенностях письма?

В основе – эксперименты с конструированием объёмных предметов на плоскости. Построение новой художественной формы в результате геометрического анализа предмета и пространства.Вывод ученики и учитель: Эксперименты с формой.

6. С. Дали “Лебеди, отображённые в слонах”. Порассуждаем об этой картине, опираясь на то, что мы знаем о сюрреализме. Картина понятна своей техникой письма. Автор -Сальвадор Дали, течение - сюрреализм.

Сюрреализм. Сверх реализм, в котором источник вдохновения в подсознание человека, основанный на теории З. Фрейда. Яркий представитель – С. Дали. Иррациональный смысл. Каждая натура (лебеди, слоны, деревья) на картине полностью реальны. Но их совместная жизнь на полотне – полный абсурд.

Куда же мы пришли? В изображённый мир иллюзий, в собственную Вселенную художника, которую он нам и показал.

III. Учитель: На основе нескольких произведений искусств, мы проследили логику развития авангарда, начиная от импрессионизма до сюрреализма. Рубеж 19 -20 веков – это время необыкновенных открытий в области искусства, время выдающихся экспериментов, время нового осмысления художника, как личности, в живописи. Хочу особо подчеркнуть, что это развитие не было линейным. Каждый художник выбирал то, что ему было более приемлемо. Ведь художники уже не изображали на полотнах, они выражали свои идеи , мысли, фантазии, свою Вселенную. Выбор направления полностью зависел от задуманной им идеи. Когда П. Пикассо спрашивали, в каком направлении он будет писать следующую картину, то он, примерно, отвечал: “В том, которое лучше выразит мою идею”. Картина перестала изображать, картина стала выражать идею художника. Художник постепенно становится творцом и создание картины, - акт творения. Видимый мир, который раньше изображали живописцы прошлых столетий, больше не вдохновлял. Художников, стал вдохновлять мир “иной”, который не видим, но он всегда неотъемлемо живёт рядом с нами. Мир наших чувств, переживаний, фантазий. Если подумать, насколько расширяется мир образов, который живописец может перенести на холст. Ведь то, что художник создаёт, ограничивается только его личной фантазией. Поэтому меняется роль художника, он уже не копиист мира, “который создал Всевышний Бог”, он сам создатель – творец своих вселенных. Малевич говорил “Я начало всего, ибо в сознании моем создаются миры”. Мир, который создал Бог им не интересен, более того они сами чувствуют себя Богами – творцами. И если это миры, созданные самими творцами – художниками, то законы мироздания там будут только такие, какие придумает сам художник. Но здесь, появляются много сложностей, в первую очередь,в понимании идеи того мира, который создал художник. Это, в большей степени, и отталкивает зрителей от авангардистов, которые привыкли видеть в каждой картине определённый литературный сюжет. Проникнуть в идею, понять её выражение в картине – трудная, но интересная задача. Хочу привести одно высказывание: “Картина должна быть сложной. Когда смотришь на неё, сам становишься сложней. Когда ты поднимаешься по лестнице, то не она тебя поднимает, а то усилие, которое ты прилагаешь”. Конечно, нужно приложить эмоциональные, интеллектуальные усилия, чтобы картина стала понятной. Но, в этом есть и хороший интерес!

Но, давайте порассуждаем дальше. Те изображения на картинах художника, к примеру, Сальвадора Дали, которые он нам показывает, будут реальностью?. Он ведь, как бы их создал сам?. Он написал картину, донося до зрителя свой невидимый мир фантазий? Ведь, изображение, которое художник создаёт первоначально в мире своих фантазий, он их сам видит, как бы зрачком внутрь. А что же видим мы, в его написанной картине. Реальность или её копию?

Копию, именно, ко-пи-ю!

это будут только копии, пусть фантазии собственных миров, но все равно копии. Но если художник творец, как понимают себя авангардисты, и мир, который он создаёт должен быть только реальным, никак не копией. Но, что реально может создать сам художник? Попробуем разобраться на одном примере.

Картина М. Сарьяна “Натюрморт”.

Что здесь изображено?

Виноград, бананы, груши.

Если это виноград, бананы, груши, давайте их попробуем на вкус.

Дети приходят к выводу, что этого сделать нельзя, т.к. это только изображение фруктов.

Значит, мы видим только изображение, или копию реальных предметов. Но это ни как не укладывается в представлении художников – авангардистов, о своей роли создателей.

Если изображение – копия, Так что же здесь реально? Посмотрите, что я держу в руках? (репродукция в раме). Дети должны сами прийти выводу что:

Реально то, что я держу в руках, холст, а на нем краски..., т.е. сама картина, которую можно держать, ощутить как реальный предмет. Истинная реальность не в изображении на картине фруктов, а сама картина.

А что ещё реально на картине? Помимо холста, что мы видим ещё?

Дети должны прийти к выводу

Краски, которые, в данный момент изображают фрукты.

Складывается новая логика авангардизма: “ Если в картине реальны только краски, то нужно и изображать жизнь этих красок на полотне!”

Поэтому, какой вывод?

Картина в живописи стала осмысливаться как материальная вещь в реальной среде. Материальны только краски, следовательно, что будет изображено на материальной вещи (картине), не столь важно, (важны только краски), поэтому художники отказываются что – либо изображать, кроме красок на холсте. А как же понимать идею художника? Ведь всегда сначала идея, а уж потом все остальное... И опять выдвигается важное понимание - диалог зрителя и художника. Вспомним слова: Когда ты поднимаешься по лестнице, то не она тебя поднимает, а то усилие, которое ты прилагаешь”. Ведь лестница это наш интеллектуальный уровень, который без усилий не получится расширить. Подумайте об этом. Произведения авангарда не просты для понимания, но этим они и притягивают к себе.

Картина перестаёт изображать какую – либо реальность, этой реальностью она стала сама. Поэтому мы видим раму, холст, краски. “Вы видите то, что Вы видите” - Картину, как реальность.

А теперь посмотрим определение абстракционизма на экране:

Абстракционизм (лат. abstractio - удаление, отвлечение) - направление не фигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма - достижение “гармонизации”, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации, хотя некоторые картины выглядят как простая точка посередине холста. Основоположники: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова, Михаил Ларионов.

На экране картина В. Кандинского “Корова”.

Практическая работа “диалог зрителя и художника”. Раздаётся таблица 1 с символико – психологическим словарём, основанная на работе “О духовном искусстве” В. Кандинского

(Картина вызывает недоумение, удивление своей непонятностью).

Cейчас нам придётся самим разобраться с такими вопросами: “о чем?”, и “как?”

Но сначала немного о биографии художника.

Василий Васильевич Кандинский (4 (16) декабря 1866, Москва - 13 декабря 1944, Франция) - выдающийся русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателей группы “Синий всадник”, преподавателем Баухауса.

Родился в Москве, получил основное музыкальное и художественное образование в Одессе, когда семья переехала туда в 1871 году. Родители предполагали для сына профессию юриста, Василий Васильевич блестяще окончил Юридический факультет Московского государственного университета. В 30 лет он решил стать художником; это произошло под влиянием выставки импрессионистов в Москве в 1895 году и картины “Стога сена” Клода Моне. В 1896 году он переезжает в Мюнхен, где знакомится с немецкими экспрессионистами. После начала Первой мировой войны возвращается в Москву, но, не согласный с отношением к искусству в Советской России, в 1921 году вновь уезжает в Германию. Последние годы живёт во Франции, в пригороде Парижа.

Один из важных вопросов, волновавший художника: “Чем должен быть заменён предмет?”. Предметный мир в произведениях художника все – таки, в какой – то мере сохраняется. Так же есть всегда определённый сквозной сюжет, такой маленький подтекст, который необходимо найти. Но главное в работах художника его базовые элементы, которые возбуждают, по словам художника, “вибрации души”. Это: синтез краски, цвета, формы которые выстроены по законам композиции, где предметность (человек, облако, дерево) он назвал реальным привкусом композиции.

Попробуем применить наши ключи – подсказки, сначала к картине, где ещё сохраняется изобразительный элемент “Корова”.Практическая работа “диалог зрителя и художника” “Корова рассматривается сообща”.

Результаты в конце.

Заключение: Нам нужно подвести итог нашей работы и ответить на вопрос урока:“Какими же творческими исканиями характеризуется живопись рубежа 19 – 20 веков”?Где начало этим творческим исканиям?

Авангардное направление в искусстве начинается с импрессионизма.

Постимпрессионизм, символизм - движение к началу постижения художниками невидимого мира.

Художников начинает интересовать мир человеческих эмоций, фантазий, они создают и выражают на полотне собственные миры новой реальности. Появляются абстрактные картины. Ярким примером абстрактной живописи, считается живопись В. Кандинского.

Практическая работа с произведением “Корова” В. Кандинского

Вначале было сказано, то принимаются все теории вашего видения, не надо стесняться и бояться сказать что – не так. У полотен В. Кандинского, сколько зрителей, столько и интерпретаций. Поэтому, мы тоже, обязательно должны попробовать.

“Корова”.

- Белый - Молчание, безмолвие, начало. Но здесь, не чисто белый, бело – розовый. Характеризуют цвет, как начало новой силы, энергии (соединение с красным).
Но тут ещё красно – оранжевые пятна, что ещё больше подчёркивает первый рассуждения.
Жёлто – оранжевый цвет – земной, человечный, активный, здоровый человек (девушка).
Выше – темно – синий цвет. Вызывает много споров в трактовке. Приходят к выводу – о человеческих эмоциях - печали, (“девушка грустит. Полоска жёлто – оранжевая, значит – печаль скоро пройдёт).В жизни много печали, тоски.
Зелёный – покой, с добавлением жёлтого - печаль сменяется на радость юности, энергии будущей жизни
Белый цвет одежды – символ начала, скорее новой жизни.
Чёрный цвет – смерть, после которой наступит жизнь (девушка в белом).

Вдали белые стены строений, похожие на храмы (маленькие купола), или монастыри. Сочетание чёрно – синего и белого, как подчинение единому закону: умирания и возрождения. Белый цвет, как символ чистоты, бесконечности.

Эти образы как бы вырастают из коровы. Корова – как источник закона жизни и возрождения.

В конце работы, для сравнения, зачиталаинтерпретацию картины, взятую в журнале “Искусство” №1 2010г. Ребята были довольны своей работой.

Музыка картины. Белый цвет – ещё нет звуков, но оркестр, приготовился...Тихо заиграла туба, с нарастающем барабанным ритмом. Вступает виолончель и контрабас. Флейта играет медленно и грустно, ей вторит скрипка. Небольшая пауза, как глубокий вздох. Мелодия повторяется с небольшими изменениями, т. к. “нельзя войти в реку дважды”...

“ЯЗЫК КРАСОК” В. Кандинский

Центральным положением концепции Кандинского можно считать утверждение о двух факторах, определяющих психологическое воздействие цвета: “тепло-холод” и “светлота-темнота”. В результате рождаются несколько возможных “звуков” красок.
1. Отношение - жёлтый - синий . Жёлтый “движется” навстречу зрителю, а синий - от него. Жёлтый, красный оранжевый – идеи радости, торжества, богатства . Если к жёлтому прибавить синий (сделать холоднее, т. к синий – холодный цвет), краска станет зеленоватой. Рождается болезненное ощущение повышенной чувствительности (как раздражённый человек, которому мешают). Интенсивная жёлтая краска беспокоит человека, колет, действует на душу. Если охладить жёлтый, то он влияет до припадка яркого безумия. Художник этот цвет сравнивает с безумной расточительностью красок последней осени. Жёлтая – земная краска, в ней нет глубины.

2. Синяя . “Небесная краска” - призыв к бесконечному . Движение от человека к центру. Углублённый синий – покой, опущенный до чёрного – печаль . Светлое синее – равнодушие, безразличие.

Зелёная – в ней парализованы жёлтый и синий цвета – покой : ни радости, ни печали, пассивный. Если добавить в зелёный цвет жёлтый , зелёный становится моложе, веселее . И, наоборот, вместе с синим, - серьёзность, вдумчивость. При усветлении (добавлении белого) или утемнении (черного) зеленый “сохраняет свой элементарный характер равнодушия и покоя” (с. 48). Белый усиливает аспект “равнодушия”, а черный - “покоя”.

Белый для Кандинского - символ мира, где исчезли все краски, все материальные свойства и субстанции. Этот мир стоит так высоко над человеком, что ни один звук не доходит оттуда. Белый - это великое молчание, холодная, бесконечная стена, музыкальная пауза, временное, но не окончательное завершение. Это молчание не мертво, но полно возможностей и может быть понято как “ничто”, предшествующее началу и рождению.

Чёрный - “ничто” без возможностей, мёртвое ничто, вечное молчание без будущего, законченная пауза и развитие. За этим следует рождение нового мира. Чёрный - окончание, погасший костёр, нечто бездвижное, как труп, молчание тела после смерти, самая беззвучная краска.

Белые одежды выражают чистую радость и непорочную чистоту, а черные - величайшую, глубочайшую печаль и смерть. Белый и чёрный находят (как и жёлтый с синим) равновесие между собой в сером . Это также беззвучная и бездвижная краска. Кандинский называет серый “безутешной неподвижностью ”. Особенно это касается темно-серого , который действует ещё более безутешно и удушающе.

Красный. Живой, жизненный, беспокойный цвет. Выражает мужественную зрелость, силу, энергию, решимость, триумф, радость (особенно светло-красный)

Киноварь - равномерно пламенеющая страсть, уверенная в себе сила, “пылает” внутри себя. Цвет, особо любимый народом. Углубление красного приводит к снижению его активности. Но остаётся внутренняя раскалённость, предчувствие будущей активности.

Фиолетовый. Болезненный звук, нечто погашенное и печальное, и связывается со звучанием фагота и свирели

Оранжевый – серьёзность красного.

И ещё В. Кандинский цвет сравнивал со звучанием музыкальных инструментов. Жёлтый цвет – звук трубы, светло – синий –флейта, темно – синий – виолончель, углублённый синий – орган, зелёный – средние тона скрипки; красный – фанфары; Фиолетовый – фагот и свирель;